前回の記事はこちら

アナログシンセサイザー（以下シンセ）は特定の役割を持ったいくつかのセクションが集まってできています。

セクションごとの簡単なご説明その４と、まとめです。

オシレーター、フィルター、アンプ（エンベロープ）と来まして、

最後は

LFO

です。

おそらくシンセに慣れていらっしゃらない方にとっては、こいつがもっとも分かりにくいのでは？

でも要点を押さえていけばさほど難解でもありません。

LFOこそがシンセの最もシンセらしい部分でもあるので、ぜひ使いこなしてくださいね。

LFOとはLow Frequency Oscillatorの略です。

言葉は難しいですが、ようは音に対して時間的な変化を加えるセクションです。

前回のアンプセクションでお話したアンプ・エンベロープやフィルター・エンベロープも時間的な変化と言えますが、それらが発音（鍵盤を押すタイミングや放すタイミング）に付随したものだったのに対し、

LFOの変化は周期的なものです。

・LFOを何に適応するか

LFOは音程や音量、音色、定位（※1）といった要素を周期的に変化させることができるわけですが、何を変化させるかは、LFOを何に対して適応させていくかによって定めていきます。

音程（※2）ならオシレーター内のPITCHに、音量ならアンプに、音色ならフィルターのCUT OFFに…といった具合にLFOをかけて（適応させて）いきます。LFOを何にアサインするか、という言い方もします。

※1　音の配置。ステレオ再生したとき、左右や前後（奥行き）のどのあたりで聴こえるか。ここでは左右のみの定位ですね。

※2　正確には音程とは「ある音とある音の音高の差」を指した言葉で、今回のような場合には音高（PITCH）と言うべきですが、おそらく音程と言った方が伝わりやすいためそうしています。

何を変化させたいか、に準じてLFOをアサインしたら、次はどのように変化させるかを決めていきます。

ひとくちに変化と言ってもいろいろですが、ここではそれを「周期」「変化の形」「変化の深さ」といった要素で定めていきます。

・RATE / SPEED

このパラメーターで変化する周期の速さを調節します。

ソフトシンセなどでは「SYNC」と言って、楽曲のテンポに則した周期の速さを8分音符や1拍3連符といった音符の長さで設定することも可能です。

・WAVE

このパラメーターで変化の形を選びます。

サイン波、三角波、ノコギリ波、矩形波、それぞれの波の形に沿って変化していきます。

・DEPTH / AMOUNT

このパラメーターで変化がかかる度合い（深さ）を調節します。

いかがですか？

文章を読むだけだとやっぱりややこしいと感じるかと思いますので、やはり実際にシンセを触りながら確認していただけるといいと思います。

何（どの要素）を変化させたいか、それによってLFOをどこにかけて（適応させて）いくか。

このあたりの概念が分かってくると、じつにいろんな音色を作っていくことができると思います。

まとめ

さて、4回にわたって書いてきましたが、シンセを構成する主なセクションはこんなところです。

各セクションは下の図のようなイメージで繋がっています。

オシレーターで元の音色を選び→フィルターで音色を加工して→アンプエンベロープで発音のときの音量変化を設定して→LFOで各セクションに周期的な変化を加える。

他にはコーラスとかディレイみたいないわゆるエフェクトを内臓しているものもありますが、それはここでは省略しちゃいます。

う〜〜ん。

なるべく分かりやすくと思って書きましたが、ぶっちゃけ難しいですよね。爆

でもシンセは面白いですよ！

ハマった人はみな時間を忘れて弄ってしまう。そんな中で偶然生まれた音からインスパイアされて曲ができることもあります。

一方、頭の中に作りたい曲のイメージがある場合などは、0からシンセのパラメーターを弄って音を作っていくよりプリセットから音色を選んだ方が効率的なこともあるでしょう。

プリセットの音をそのまま使うことに賛否はあると思いますが、それは作りたい音楽が何に重きを置いているかによって変わってくるところだと思います。

個人的には、今はプリセットを使うことも多いですが、プリセットを使わずサウンドを作ることに拘っていた時期もあります。

ただ、プリセットを選んだとしても、この連載でお話ししたシンセの基本的な仕組みが分かっていると、そこからより自分が求めているサウンドに微調整していくことも可能です。

ぜひ一歩踏み込んでシンセを使いこなしてみてください！

ポピュラーミュージックにはジャンルとは別の、場合によってはより大きな括りとして、「歌モノかどうか」という区別があるかと思います。

「歌モノ」っていうのは歌が入っている音楽の俗称ですね。そのまんまです。

一方、歌が入っていない楽曲を「インストゥルメンタル」と言い、略して「インスト」と呼ばれたりしています。

ポップスやロックでは圧倒的に歌モノが多いですよね。

ジャズなんかだと歌が入っていない曲もいっぱいありますね。

ハウスやテクノなどのダンスミュージックもインスト曲はたくさんありますが、ちょっとしたメロディを歌う声が入っていたりして、歌モノかインストかの境が曖昧なものもとても多い。

みなさんは普段、歌モノとインスト、どちらを聴くことが多いですか？

一般的には歌モノの方がたくさん聴かれているとは思いますが、実際その割合はどのくらいなんでしょうか。

個人的には普段、歌モノとインストを特別意識して分けてはいませんが、歌の有無というのはけっこう大きな違いだなぁとあらためて思ったりしている今日この頃です。

やっぱり我々にとって人の声は、どんな楽器も敵わない、強烈に訴える何かがあるのだと思います。

加えて歌モノは「歌詞」があるおかげで、イメージがし易いとも、イメージが限定的になるとも言えます。

もっとも、歌は楽器が生まれる前からあるわけで、手拍子や踊りなどと並びもっともプリミティブな音楽的表現です。

その背景を想像すると、「歌詞＝言葉」と歌は初めからセットだったでしょうから、音楽と人の声と言葉の結びつきは強いはずです。

しかし、私は英語をたいして聞き取れないので、他の言語も含めて日本語以外の歌詞で歌われていると、その歌詞の意味は分かりません。

私のような人にとってのいわゆる洋楽は、「人の声は入ってくるけど言葉の情報は入ってこない」という意味ではまた別のカテゴリーになるのかもしれません。

スキャットやハミングのように歌詞がなく人の声を楽器的に使うこともありますね。

この場合は歌モノ？インスト？　まぁどっちでもいいですけど。

とにかく「歌＝人の声」と「歌詞＝言葉」はやっぱり特別なんでしょうね。

ただ、これはもちろん優劣の話ではありませんで、インストにはインストの良さがあるわけです。

普段歌モノばかり聴いていらっしゃる方は、インストも聴いてみると、また新しい発見があるかもしれません。

前回の記事はこちら

前回は弾くことはちょっとお休みして「音名を覚えましょう」ということでしたけれども、いかがでしょうか。

覚えられましたか？

今回はまた弾いていきましょう。

「白鍵と黒鍵の区別をなくす」ことを目的として、連載その1の回でクロマチックスケール（半音階）を、その2ではホールトーンスケール（全音音階）を弾いてきました。

もう少しだけこれを続けていきます。

次は何をするか、勘のいい方はお気づきかもしれません。

今回は鍵盤で言うと3つ隣へとステップしていく音階を弾きます。

「2つ飛ばし」という言い方もできますね。

鍵盤で3つ離れた音同士の音程を短３度（マイナー3rd）と言います。

そして短３度でステップしていくこの音階をディミニッシュスケールと言います。

（名前は覚えなくても大丈夫です。）

クロマチックスケールやホールトーンスケールのときと同様に、順次3つ隣へと弾いていきます。

今回も注意点としては間違えないように丁寧に弾くくらいで、あまり細かいことは気にしなくて大丈夫です。

やはり「利き手じゃない方の手」で弾くことをオススメします。

反対の手で弾くときは、鏡写しのように左右を反転させればOKです。

ホールトーンスケールは「2通り」ありましたね。

ディミニッシュスケールは1つ増えて「3通り」になります。

その代わり、1通りの中で使う音の種類は4音と減ります。

やはりどの音からでもスタートできることが大事ですが、ここでは便宜上、3通りのスタート音をそれぞれC, C♯/D♭, Dとしましょう。

それぞれのスタート音から順次3つ隣へと弾いていくだけですが、使う音の音名も記載しておきますね。

［Cスタートのライン］

C, D♯/E♭, F♯/G♭, A

［C♯/D♭スタートのライン］

C♯/D♭, E, G, A♯/B♭

［Dスタートのライン］

D, F, G♯/A♭, B

クロマチックスケール、ホールトーンスケールと弾いてきた方にとっては、もうさほど難しくありませんよね。

じっくり取り組んで、短３度音程をどこでもパッと弾けるようにしちゃいましょう。

さらに今回は、音階（スケール）として順次音を移行させていくだけでなく、

「2つの音を同時に（合わせて・重ねて）弾く」ということもしてみましょう。

先ほど弾いた短３度音程で、ある音とその3つ右隣の音を合わせて弾いていくわけです。

CとD♯/E♭の2音

C♯/D♭とEの2音

DとFの2音

といった具合です。

今の段階では、どの指で弾くかはさほど気にしなくても良いと思います。

これはダイレクトに「コード弾き」に繋がる練習ですので、ぜひ慣れておいてくださいね！

よかったら動画も参考にしてみてください。

つづきます。

今年もあっちゅーまに2ヶ月が過ぎましたね。

ところで先日、Twitterでこんなものを見かけました。

グラスパーが全てのミュージシャンにド正論を吐いてるから字幕つけた pic.twitter.com/lfayCnaixp

— 桃井裕範 Hironori Momoi (@hironorimomoi) February 27, 2021

このなにやら怒っていらっしゃる方は、2000年代以降のジャズシーンでは最重要人物と言っていいであろう、ピアニストのロバート・グラスパーさんです。

ミュージシャンの桃井裕範さんが字幕をつけてくれています。

要約すると、

「（おそらくSNS経由で）何でもかんでもオレに聞いてくるな」

「音楽なんだから音を聴いて判断しろ、判断する力を身につけろ」

「上達したけりゃ楽をしようとするな」

と、こんな感じです。

これを受けてネット上では、多くの方が「もっともだ」というような反応をしているようです。

言い方はちょっとアレかな〜と思いますが、グラスパーさんはこういったことでウンザリする思いをたくさんしたのでしょうね。

私もグラスパーさんがおっしゃることに概ね同意です。

ミュージシャンとして力をつけたい人にとっては、正論なのでしょう。

しかし、みんながみんな自力でコードや拍子を判断する力を持っているわけではありません。

グラスパーさんは「がんばってその力を身につけるんだよ、そりゃ努力せなアカンよ」とおっしゃるわけですが、はっきり言って氏の音楽はときに難解です。

かなりの努力をして「力」を身につけないかぎりは分析が困難なこともあるでしょう。

だから、「とにかく彼の素晴らしい音楽マジックのタネを知りたい」という好奇心が勝ってしまう。

実際に直接ご本人に聞くというのは超大胆不敵だとは思いますが、知りたいというその気持ちは分からなくはありません。

でも、この「魔法のタネ」は簡単に知ってしまわない方がいいような気もします。

例えとして良いか分かりませんが、手品のタネを簡単に知ろうとするより、まるで魔法のようなその不思議を存分に味わう方が素敵なんじゃないでしょうか。

音楽なら、なんだか不思議な響きのコードだな、予想できない展開だな、何拍子か分からないけどカッコいいな…って。

それが転じて自分でも演奏しよう、自分でも作ろう、となった場合には、やはり手っ取り早くタネを知ろうとすべきではないのは、グラスパーさんのおっしゃるとおりだと思います。

逆に言えば、大好きでどうしても演奏したい曲を耳コピしない（「できない」ではなく、やろうともしない）のならば、他のどの曲でも自発的には行うことはないでしょう。

「簡単に楽譜が手に入らない、けど演奏したい！」という曲に巡り会えたなら、これはチャンスだとも言えます。

ぜひ耳コピにトライしてみてください。

全部分からなくてもいいんです。がんばって分かりそうなところだけでも自分で探ってみると、それは大きな力になります。

さて、私個人的にはスクールの生徒さんに、単に演奏する力だけでなく、音楽を聴いて構造を理解したり、自分でも作っていけるような「音楽力」を身につけていただきたい、という思いを持っています。

生徒さんによっては、そのための音感・リズム感のトレーニングや音楽の知識を蓄えることもしています。

しかし、音楽の楽しみ方は人それぞれ。

楽譜を見ながらそれをがんばって形にするのも、素敵な音楽の楽しみ方の1つです。

上達に関して言えばけっきょくは自身の努力がモノを言うわけですが、「こうでなくてはいけない！」とは考えず、今楽しいと思えることがあるなら、そのやり方でしばらく続けてみるのも良いのではないでしょうか。

楽しむことと上達することの関係性はとても重要だし、興味深いものがあります。

普通に考えたら上達に比例して楽しくなっていきそうですが、現状のレベルでも楽しむことはできるはずですし、いくら上達するためとはいえ全く楽しくないのもどうかと思います。

バランスが大切だということです。

音楽をしようとしたとき、そのどちらに重きを置くのかは自分で整理しておくといいのかもしれません。

今は楽しむ時間、今は向上の時間と、そのときそのときで切り替えるのも有効だと思います。

言わずもがなですが、楽しむことと、楽（ラク）をすることは違います。

グラスパーさんは、楽をすることを良くないと言っているようにも見えますが、楽をすることの全てがNGということもないと思います。

効率化が測れるところは楽をしても良いと思います。

肝心なところで楽をしようとすると、何にもならないよ、ということだと思います。

私の好きなドラマー

4人目は

オラシオ “エル・ネグロ” エルナンデス

（Horacio “El Negro” Hernandez）

です。

3人目までは比較的手数の少ないスタイルのドラマーでしたので、ここらでちょっと趣向を変えてみました。

エル・ネグロはキューバ出身で、アフロ・キューバン・ジャズおよびラテン・ジャズのシーンでは筆頭の超絶ドラマーです。

過去にサンタナ、ミシェル・カミロ、キップ・ハンラハン、ジャック・ブルースなどのバンドで叩いていて、日本では渡辺香津美さんや綾戸智恵さんと共演しています。

そんなエル・ネグロのドラムは、まぁ、ひとことで言って

エグいです。w

元来は個別に演奏するラテンパーカッション（ティンバレス、コンガ、ボンゴ、ウッドブロック、カウベルなど）をドラムセットを用いて1人で行ってしまうのが彼のスタイル。

クラーベを左足で踏みながら、変幻自在のリズムを叩き出します。

いわゆる完全な四肢独立。

今でこそ同じようなことができるドラマーは他にもいますが、彼のドラムを初めて聴いたときは腰抜かしました。

いや、聴いたときじゃないな、見たときですね。

「え！1人でやってんの？コレ！？」って。

さらにはインタープレイ（演奏者同士で触発・反応し合い即興演奏を行うこと）も素晴らしい。

バカテクピアニスト、ミシェル・カミロのバンドなどでは素晴らしいインタープレイの応酬が聴けます。

このテンポ感でこの涼しい顔。どーゆーこと！？

しかもエル・ネグロの打ち出すリズムは非常に柔軟で、ラテン特有のリズム訛りもあります。

このあたり、並のテクニシャン系ドラマーだとスクエアなリズムになって「技術がすごい！」という面ばかりが見えてしまいますが、エル・ネグロのドラムは本当に気持ちよく、ずっと聴いてられます。（私は）

やっぱりリズムが気持ちいいこと、俗に言う「歌っている」ことはすごく重要なんだろうなあ。

そういう意味では手数も多いしスタイルは全然違うけど、私の中で先に挙げたグルーヴ系のドラマーと共通する何かがあるんだと思います。