個人的ウタウマなシンガーをゴリゴリとレコメンドする企画。

今回は

松浦亜弥さん

です。

ご存知のことと思いますが、「あやや」こと松浦亜弥さんは、つんく♂氏が総合プロデュースしていたアイドル集団？「ハロー！プロジェクト（以下ハロプロ）」の元一員です。

平成最後のソロアイドルと言われ活躍しましたが、2013年のカウントダウンライブをもって表舞台から姿を消しました。

あっ、ちなみに私は、あややファンでもハロプロファンでもありませんが、あしからず…。

さて、「アイドルの完成形」との呼び名も高かった彼女。

アイドルですから、歌の上手さにだけ焦点を当てることもナンセンスかもしれませんが、デビュー当時からファンや彼女をよく知る方々の間では歌唱力の高さに定評がありました。

個人的な当時の彼女の印象はというと、ハロプロは彼女以前から、比較的歌が上手いメンバーを多数擁していましたので、歌の上手さだけで際立ったものをさほど感じていなかったように思います。

ただ、基本的にはグループ単位で活動するハロプロにおいてソロでデビューしたことに、つんく♂氏や周囲からの期待を見てとることは容易でした。

今回リンクを貼った動画はいずれも活動後期で、だいぶ脱アイドル化が進んでいるようにも思います。

（実際に脱アイドルを本人が望んだか、周囲を含めそういう流れになっていたかは存じませんが。）

アイドルっぽい演出もほとんどなく、成熟した彼女の歌を堪能できます。

音程やリズムはデビュー時から安定していましたが、この頃になると非常に細かく抑揚をつけたり声色を変えたりしていてかなり技巧的です。

でも、一聴すると清々しくストレートに歌っているようにも聴こえる。

これ見よがしにテクニックを前面に出さないところに品の良さを感じるというか、好感が持てます。

声質は軽めで、やや硬さや線の細さも感じますがポップスにはよく合います。

声域は高めで、高音域のロングトーンでも力強く、やはり安定性は高い。

地声⇄裏声のコントロールも抜群で、いわゆる換声点を感じさせません。

ヴィブラートは控えめ。

クセっぽさがあまりなく、どちらかというとクールな印象ですが、瞬間的に「エッジボイス」や「唸り／がなり」も使っていて表現の幅を覗かせます。

時おりアイドルらしいかわいい声色も。

う〜〜ん、

こりゃ上手いわ。

こうして聴いていると、本格的なシンガーとして、もっといろいろな曲を歌っていただきたかったという思いになりますね。

カムバックはあるのでしょうか…。

今さらですが上手いです。

丁寧に歌う様が好感持てます。

竹内まりやさん作詞・作曲。

渋っ！谷村新司さんの「22歳」をカバー

アップテンポで力強い歌唱も。

かなり間が空いてしまいました。

あえてジャンルを紐解くというか、追っていこうという企画。

のんびりと再開していきます。

今回は「ヘヴィメタル」、いわゆるヘビメタです。

ヘビメタを直訳すれば「重い金属」ということで、まぁ金属的かどうかっていうのはちょっと解釈が難しいですが、ようは歪んでるってことですね。

ずっしり重く歪んだサウンド。

元はハードロックからの派生ジャンルなので、ハイトーンなヴォーカル、間奏でのギターソロなど共通した特徴はいくつもありますが、逆に「違いは何？」と言われると意外と言葉に詰まります。

ネット上で他の方もおっしゃっていましたが、

「ハードロックがあくまでルーツであるブルースに根差しているのに対し、ヘビメタはよりクラシカルな白人文化の音楽を要素として取り入れている」

これは言えそうです。

ある種の泥臭さは控えめで、均整のとれた様式美サウンド。

そういう意味では、ハードロックにクラシック的要素を持ち込んだディープ・パープルなどのバンドもヘビメタの元祖的存在と言えるでしょう。

個人的にはヘビメタと言うと

・高音域で叫ぶ、いわゆるヘビメタシャウト

・「重さ」を求めて通常よりも音高をさげてチューニングするドロップチューニングおよびダウンチューニングの採用

・ヘヴィーなギターリフ（曲中繰り返される印象的なフレーズ）

・ハードロック以上にテクニカルな、いわゆる速弾きのギターソロ（2本のギターでハモるなど）

・「疾走感」を求め、ドラムにおいてツーバスを用いるなどした非常にパルスの細かいリズム（タムやシンバルの数も多い）

・アレンジもミックスも「ドンシャリ（低音と高音が強調され中音域が抑えられた、ドンっ！とシャリっ！な音像）」

・尖ったデザインのギターやベース

といった特徴が思いつきます。

もちろん全てに当てはまるワケではないでしょう。

そして、このへんの認識が正しいかどうかは、ぜんぜん自信ないです。すみません。m(_  _)m

ヘヴィメタルというジャンルが確立したのは70年代のようですが、その最初期のものと言われているのは意外にもビートルズの「ヘルター・スケルター（Helter Skelter）」や、キンクスの「ユー・リアリー・ガット・ミー（You Really Got Me）」だとのこと。

あらためて聴くと、たしかにヘビメタのイメージに繋がるものがありますが、これがヘビメタかと言えば、う〜〜ん…。

※上記2曲は後にヴァンヘイレン（Van Halen）やモトリー・クルー（Mötley Crüe）といった幾多のバンドがカバーしていて、それらは概ねヘヴィーに仕上がっています。

今に至るまでのヘビメタの直接的なイメージを最初に確立したのは、すでにハードロックの項でも触れたブラック・サバスあたりでしょうか。

あっ、ジューダス・プリースト（Judas Priest）がいますね！

1969年にイギリスで結成されたこのバンドは、70年代のうちにヘビメタ化し、今ではメタルゴッドと崇められる存在。

ちなみにもう少し後になるとこんな感じ。

あとは、モーターヘッド（Motörhead）ですか。

こちらもイギリスから。ヘビメタのイメージど真ん中ではないかもしれませんが、荒々しくも疾走感あふれるスピードメタルを展開し、この流れは後にスラッシュメタルなどに繋がっていきます。

80年にはアイアン・メイデン（Iron Maiden）がデビュー。

これは直球ヘビメタですね。このバンドのマスコット？であるエディくんが描かれたアルバムジャケットやTシャツなどのヴィジュアルも「ヘビメタと言えば」のイメージ。

アイアン・メイデンと同期のデフ・レパード（Def Leppard）も、イギリスから起こったN.W.O.B.H.M（ニューウェーヴ・オブ・ブリティッシュ・ヘヴィメタル）ムーブメントの代表格。

このバンドはむちゃくちゃ売れます。

ですが、個人的にはヘビメタ…なのかな？って思います。どーなんでしょ？教えて偉い人！

今さらですが、やっぱりジャンル分けって厳密には不可能だし、不毛ですよね…。

だってホント言ったらどっちでもいいもん、ヘビメタであろうがなかろうが。

じゃあ、何なの？この一連の記事。…いや考えないどこ。w

ま、とにかく

こんな具合にヘビメタのシーンもやはりイギリスが先導しました。

が！

アメリカから、いよいよあのバンドが現れます…。

つづく。

今回ご紹介するドラマーはドラムを叩いている方にはもちろん、ファンクやソウルなどがお好きな方にもよく知られた存在だと思います。

バーナード “プリティ” パーディ

（Bernard “Pretty” Purdie）

です。

60年代から活躍する、トップ・オブ・トップのセッションドラマー（いわゆるスタジオミュージシャン）で、

その参加セッション数は万単位とも言われています。

彼なしには、今や当たり前とされているようなドラミングも生まれてこなかったでしょう。

今もご存命のリヴィング・レジェンド。

ひかえめに言って神です。

パーディ老師のドラムはもう完全にグルーヴ重視。

体感がしっかりしていてノリがまったくヨレません。

非常にタイトなタイミングながらもけっして機械的ではなく、とにかく身体が動き出してしまうような躍動感があります。

聴いていただくのが早いですね。

近年の映像らしいのですが、とても80歳過ぎとは思えない。

超余裕で叩いていますが、ある程度ドラムを叩いたことがある方なら、このグルーヴを出すことがいかに難しいかお分かりだと思います。

ドラムのチューニングも素晴らしく、ハイハットの音色やスネアの粒立ちも極上。

ムダな味付け不用の極上ステーキドラムです。（？）

こりゃみんな呼びたがるワケだわ。

レコーディングセッションにおいて彼の最大の強みは、歌モノのバックでいっさい派手なことをせずとも、彼にしか出せないグルーヴで歌を引き立てられたことでしょう。

携わったレコーディングセッションは、ジェイムス・ブラウン、マイルス・デイヴィス、ボブ・ディラン、アレサ・フランクリン、キング・カーティス、スティーリー・ダン、ボブ・マーリー、モンゴ・サンタマリア、B.B.キング、ジェフ・ベック、ホール＆オーツ、ニーナ・シモン、ギル・スコット・ヘロン、ハービー・ハンコック、ラスト・ポエッツ、はたまたSMAPまで、それはもう膨大な数。

そしてパーディと言えば、「ビートルズでリンゴ・スターの代わりに21曲を叩いた」というまことしやかな噂もあります。

というかこの噂、ご本人発信らしいですが、真偽のほどはいかに…？

ネット上ではいろいろな憶測が飛び交っているので、ご興味があれば調べてみてください。

まぁ…そんな話も出るくらいたくさんのセッションに参加している、と。

これはパーディ氏がリーダーのセッション。

フュージョン、ファンキー・ジャズの名手がズラリ。超贅沢なライブ。

ドラムの奏法では、今やファンキーなドラムで定番のフィルイン「ダチーチー」の生みの親。

さらに、ロックバンドTOTOのドラマーであるジェフ・ポーカロが叩いた「ハーフタイム・シャッフル」の元となった「パーディ・シャッフル」の発案などが有名です。

その素晴らしいグルーヴドラムは後年のドラマーに多大な影響をあたえただけでなく、ヒップホップやR&Bのサンプリングソースとして、今日もいたるところで聴くことができます。

その昔、トラックを作ったりDJをしたりするときに重宝した、パーディ老師のドラム・ブレイクス（ドラムビートだけが延々入ったレコード）。

私のドラムの師匠、狩野さんによるバーナード・パーディ・スタイルのドラミング。

今回は「ピッチ補正」について書いてみます。

レコーディングや、いわゆる宅録（自宅録音）のご経験がない方には、もしかしたら聞きなじみのない言葉かもしれませんね。

ピッチ補正というのは、録音された歌や楽器の音程を専用のソフト（アプリ）を使って補正することを言います。

今やプロからアマチュアまで多くの録音作品で、当たり前のようにこのピッチ補正が施されています。

ご存知ない方は意外に思うかもしれませんが、一般的に歌唱力が高いと言われている歌手の録音でもほとんどはピッチ補正が施されています。

その理由や、ピッチ補正をすることの是非は後述するとして、まずはピッチ補正の簡単な歴史、そしてピッチ補正ソフトとはどんなものなのかを紐解いてみましょう。

本来、ピッチ（Pitch）とは正確には音程を意味する言葉ではなく、正確な音の高さにチューンすることを言います。ちなみに音程は、ある音とある音の音高の差のことで、英語ではインターバル（Interval）と言います。

ところが日本では、ピッチ＝音程として用いられていることもまるで珍しくありません。

でも、この違いをしっかり認識しておくことで、音楽表現の幅は大きく変わってくる、というのは個人的な考えです。

これについてもまたあらためて書いてみたいと思っています。

さて、今ではソフト（アプリ）を使って誰でも簡単に行うことができるピッチ補正ですが、これは具体的に言うと「スピード（長さ）を変えずに音高を上げたり下げたりできる」ということです。

これでピンときた人はアナログ世代かもしれません。w

アナログのメディアで音高を上げ下げしようと思ったらどうすればいいか。

そうです。

再生のスピードを速くしたり遅くしたりすればいいのです。

逆に言えば、再生スピードを変えると一緒に音高も変化してしまうのがアナログの録音物です。

レコードとかカセットテープとか。

前述したようにピッチ補正には、スピード（長さ）を変えずに音高だけを変化させる必要がありますよね。

だから音楽のレコーディングがアナログでしかなかった時代には、ピッチ補正は夢のような技術でした。

アナログでできたことと言えばテープのつぎはぎくらいでした。（それだけでもかなりいろんなことができたし、いろんなことが試されましたが。）

それが80年代以降のデジタル化によって少しづつ変わってきます。

まずサンプラーの登場があります。

サンプラーは外部からの音をデジタル化して取り込み、それを音素材として記憶・再生させる機材です。

Ensoniq、E-MU、AKAIといったメーカーからたくさんの製品が発売されました。

一般化された頃の多くのサンプラーには、録音された音素材の音高を変化させる機能と、音素材の再生時間を伸ばしたり縮めたりする機能がありました。

サンプラーも、ただ音高を上下させるだけだとスピード（長さ）も一緒に変化してしまうのですが、

2つの機能を組み合わせることで、スピードを変えずに音高だけを変化させることも、音高を変えずにスピードだけを変化させることも可能になりました。

ただ、実際には言うほど簡単ではなく、正確に処理しようと思ったら難しい計算が必要でした。

だからそういう使い方をしていた人は多くないんじゃないかな。

私は当時、父親に頼んで計算式を教えてもらいました。

今やその計算式も使う必要がなくなり、どんなものだったか忘れてしまいましたが…。

しばらくするとスウェーデンのPropellerhead社がReCylce!というソフトを開発します。

これはサンプリングした音素材を自動的に細かく切り刻んでくれるというソフトで、こんなの今では当たり前ですが、当時はめっちゃ画期的なシロモノでした。

これによって、元の音素材の一部の音高だけを上げ下げすることが容易になりました。

それでもなお、ピッチ補正という使い方をするにはめちゃくちゃ大変だったと言わざるをえませんが…。

…ヤバい。

めっちゃ長くなっちゃう…。

ここでいったん〆ます。w

つづきます。

前回の記事はこちら

アナログシンセサイザー（以下シンセ）は特定の役割を持ったいくつかのセクションが集まってできています。

セクションごとの簡単なご説明その４と、まとめです。

オシレーター、フィルター、アンプ（エンベロープ）と来まして、

最後は

LFO

です。

おそらくシンセに慣れていらっしゃらない方にとっては、こいつがもっとも分かりにくいのでは？

でも要点を押さえていけばさほど難解でもありません。

LFOこそがシンセの最もシンセらしい部分でもあるので、ぜひ使いこなしてくださいね。

LFOとはLow Frequency Oscillatorの略です。

言葉は難しいですが、ようは音に対して時間的な変化を加えるセクションです。

前回のアンプセクションでお話したアンプ・エンベロープやフィルター・エンベロープも時間的な変化と言えますが、それらが発音（鍵盤を押すタイミングや放すタイミング）に付随したものだったのに対し、

LFOの変化は周期的なものです。

・LFOを何に適応するか

LFOは音程や音量、音色、定位（※1）といった要素を周期的に変化させることができるわけですが、何を変化させるかは、LFOを何に対して適応させていくかによって定めていきます。

音程（※2）ならオシレーター内のPITCHに、音量ならアンプに、音色ならフィルターのCUT OFFに…といった具合にLFOをかけて（適応させて）いきます。LFOを何にアサインするか、という言い方もします。

※1　音の配置。ステレオ再生したとき、左右や前後（奥行き）のどのあたりで聴こえるか。ここでは左右のみの定位ですね。

※2　正確には音程とは「ある音とある音の音高の差」を指した言葉で、今回のような場合には音高（PITCH）と言うべきですが、おそらく音程と言った方が伝わりやすいためそうしています。

何を変化させたいか、に準じてLFOをアサインしたら、次はどのように変化させるかを決めていきます。

ひとくちに変化と言ってもいろいろですが、ここではそれを「周期」「変化の形」「変化の深さ」といった要素で定めていきます。

・RATE / SPEED

このパラメーターで変化する周期の速さを調節します。

ソフトシンセなどでは「SYNC」と言って、楽曲のテンポに則した周期の速さを8分音符や1拍3連符といった音符の長さで設定することも可能です。

・WAVE

このパラメーターで変化の形を選びます。

サイン波、三角波、ノコギリ波、矩形波、それぞれの波の形に沿って変化していきます。

・DEPTH / AMOUNT

このパラメーターで変化がかかる度合い（深さ）を調節します。

いかがですか？

文章を読むだけだとやっぱりややこしいと感じるかと思いますので、やはり実際にシンセを触りながら確認していただけるといいと思います。

何（どの要素）を変化させたいか、それによってLFOをどこにかけて（適応させて）いくか。

このあたりの概念が分かってくると、じつにいろんな音色を作っていくことができると思います。

まとめ

さて、4回にわたって書いてきましたが、シンセを構成する主なセクションはこんなところです。

各セクションは下の図のようなイメージで繋がっています。

オシレーターで元の音色を選び→フィルターで音色を加工して→アンプエンベロープで発音のときの音量変化を設定して→LFOで各セクションに周期的な変化を加える。

他にはコーラスとかディレイみたいないわゆるエフェクトを内臓しているものもありますが、それはここでは省略しちゃいます。

う〜〜ん。

なるべく分かりやすくと思って書きましたが、ぶっちゃけ難しいですよね。爆

でもシンセは面白いですよ！

ハマった人はみな時間を忘れて弄ってしまう。そんな中で偶然生まれた音からインスパイアされて曲ができることもあります。

一方、頭の中に作りたい曲のイメージがある場合などは、0からシンセのパラメーターを弄って音を作っていくよりプリセットから音色を選んだ方が効率的なこともあるでしょう。

プリセットの音をそのまま使うことに賛否はあると思いますが、それは作りたい音楽が何に重きを置いているかによって変わってくるところだと思います。

個人的には、今はプリセットを使うことも多いですが、プリセットを使わずサウンドを作ることに拘っていた時期もあります。

ただ、プリセットを選んだとしても、この連載でお話ししたシンセの基本的な仕組みが分かっていると、そこからより自分が求めているサウンドに微調整していくことも可能です。

ぜひ一歩踏み込んでシンセを使いこなしてみてください！