前回の記事はこちら

ピッチ補正についてまずはその歴史を、ということでしたが、前回はサンプラーのお話で終わってしまいましたので、つづきです。

レコーディングの現場にも徐々にデジタル化の波が押し寄せます。

1990年代に入ると、アメリカのDigidesign社が「Pro Tools」を発表し、レコーディングスタジオに導入され始めます。

以来、プロの現場ではデフォルト、大スタンダード。

Pro ToolsはDAW（コンピューターで音楽を作る、デジタル・オーディオ・ワークステーションの略）の元祖にして大本命となりました。

アナログの音質や作業を大切に考える人というのは今でも一定数いらっしゃいますが、圧倒的に便利で合理的な録音/編集を可能にしたPro Toolsへの移行は抗えない流れだったのかもしれません。

録音データは大容量のハードディスクへ記録され、元のデータを壊すことなくさまざまな編集（ノン・ディストラクティブ編集）をすることができました。

しかしそんなPro Toolsにも、1音ごとの音程を微調整するような機能は備わっていませんでした。

そしてついに1997年、アメリカのAntares社から「Auto-Tune」が発売されます。

Wikiによると、”技師として石油会社のエクソンモービルで働いていたアンディ・ヒルデブランドは、地震データ解析用ソフトが音程の補正にも使えることを偶然発見した” とあり、その翌年にはこの技術を用いたAuto-Tuneが製品化されています。

地震データ解析用ソフトが音程の補正にも使える？？

マジか〜〜、ぜんぜん関係ねーじゃん。www

とにかく、今ではレコーディングスタジオのPro ToolsにはAuto-Tuneがプラグインとして入っている（Pro Tools内でAuto-Tuneが使えるようになっている）のが当たり前です。

Pro ToolsがDAWの元祖にして大本命なら、ピッチ補正ソフトの元祖にして大本命がこのAuto-Tuneです。

なんなら「ピッチ補正」という言葉や行いは知らなくても、Auto-Tuneは知っている、という方もいらっしゃるのでは？

まぁ、それには本来のピッチ補正とは別の理由がありまして。

オートチューンを用いてムリクリにピッチ矯正をすると、原音が歪んでそれを「ケロった」なんて言うんですが、試しに思いっきりケロケロさせてみたら面白い効果が得られたんですね。

もはやエフェクターです。

この効果を使った曲が次々とヒットしまして、「あの声はなんだ？どーやってるんだ？」「あれはじつはオートチューンってのを使っててね…」という具合にその名前が知れ渡っていった、と。

Auto-Tune、もう20年以上経っているんですね…。

もちろんその間に、他社からもピッチ補正ソフトがいくつも発売されました。

中でもCelemony社のメロダイン（Melodyne）などはDTMをする人にはよく知られたピッチ補正ソフトです。

DAWソフトのStudio Oneにはメロダインがプラグインとして付いてきます。

また、CubaseやLogic ProといったDAWソフトにはピッチ補正機能が備わっています。

私がAuto-Tuneを初めて使ったのは16年前くらいかな。おそらくは最も話題になっていた頃ですね。

そのときはそりゃもう、感動！でした。

時が経ち、その感動ももはやだいぶ薄れ、自宅でちょっとした録音をした後にササッとピッチ補正をする、なんてのも日常茶飯事？になってきています。

それが良いか悪いかは、いろいろな考え方があるでしょう。

そのあたりも後ほど考えてみたいと思います。

つづきます。

個人的ウタウマなシンガーをゴリゴリとレコメンドする企画。

今回は

松浦亜弥さん

です。

ご存知のことと思いますが、「あやや」こと松浦亜弥さんは、つんく♂氏が総合プロデュースしていたアイドル集団？「ハロー！プロジェクト（以下ハロプロ）」の元一員です。

平成最後のソロアイドルと言われ活躍しましたが、2013年のカウントダウンライブをもって表舞台から姿を消しました。

あっ、ちなみに私は、あややファンでもハロプロファンでもありませんが、あしからず…。

さて、「アイドルの完成形」との呼び名も高かった彼女。

アイドルですから、歌の上手さにだけ焦点を当てることもナンセンスかもしれませんが、デビュー当時からファンや彼女をよく知る方々の間では歌唱力の高さに定評がありました。

個人的な当時の彼女の印象はというと、ハロプロは彼女以前から、比較的歌が上手いメンバーを多数擁していましたので、歌の上手さだけで際立ったものをさほど感じていなかったように思います。

ただ、基本的にはグループ単位で活動するハロプロにおいてソロでデビューしたことに、つんく♂氏や周囲からの期待を見てとることは容易でした。

今回リンクを貼った動画はいずれも活動後期で、だいぶ脱アイドル化が進んでいるようにも思います。

（実際に脱アイドルを本人が望んだか、周囲を含めそういう流れになっていたかは存じませんが。）

アイドルっぽい演出もほとんどなく、成熟した彼女の歌を堪能できます。

音程やリズムはデビュー時から安定していましたが、この頃になると非常に細かく抑揚をつけたり声色を変えたりしていてかなり技巧的です。

でも、一聴すると清々しくストレートに歌っているようにも聴こえる。

これ見よがしにテクニックを前面に出さないところに品の良さを感じるというか、好感が持てます。

声質は軽めで、やや硬さや線の細さも感じますがポップスにはよく合います。

声域は高めで、高音域のロングトーンでも力強く、やはり安定性は高い。

地声⇄裏声のコントロールも抜群で、いわゆる換声点を感じさせません。

ヴィブラートは控えめ。

クセっぽさがあまりなく、どちらかというとクールな印象ですが、瞬間的に「エッジボイス」や「唸り／がなり」も使っていて表現の幅を覗かせます。

時おりアイドルらしいかわいい声色も。

う〜〜ん、

こりゃ上手いわ。

こうして聴いていると、本格的なシンガーとして、もっといろいろな曲を歌っていただきたかったという思いになりますね。

カムバックはあるのでしょうか…。

今さらですが上手いです。

丁寧に歌う様が好感持てます。

竹内まりやさん作詞・作曲。

渋っ！谷村新司さんの「22歳」をカバー

アップテンポで力強い歌唱も。

かなり間が空いてしまいました。

あえてジャンルを紐解くというか、追っていこうという企画。

のんびりと再開していきます。

今回は「ヘヴィメタル」、いわゆるヘビメタです。

ヘビメタを直訳すれば「重い金属」ということで、まぁ金属的かどうかっていうのはちょっと解釈が難しいですが、ようは歪んでるってことですね。

ずっしり重く歪んだサウンド。

元はハードロックからの派生ジャンルなので、ハイトーンなヴォーカル、間奏でのギターソロなど共通した特徴はいくつもありますが、逆に「違いは何？」と言われると意外と言葉に詰まります。

ネット上で他の方もおっしゃっていましたが、

「ハードロックがあくまでルーツであるブルースに根差しているのに対し、ヘビメタはよりクラシカルな白人文化の音楽を要素として取り入れている」

これは言えそうです。

ある種の泥臭さは控えめで、均整のとれた様式美サウンド。

そういう意味では、ハードロックにクラシック的要素を持ち込んだディープ・パープルなどのバンドもヘビメタの元祖的存在と言えるでしょう。

個人的にはヘビメタと言うと

・高音域で叫ぶ、いわゆるヘビメタシャウト

・「重さ」を求めて通常よりも音高をさげてチューニングするドロップチューニングおよびダウンチューニングの採用

・ヘヴィーなギターリフ（曲中繰り返される印象的なフレーズ）

・ハードロック以上にテクニカルな、いわゆる速弾きのギターソロ（2本のギターでハモるなど）

・「疾走感」を求め、ドラムにおいてツーバスを用いるなどした非常にパルスの細かいリズム（タムやシンバルの数も多い）

・アレンジもミックスも「ドンシャリ（低音と高音が強調され中音域が抑えられた、ドンっ！とシャリっ！な音像）」

・尖ったデザインのギターやベース

といった特徴が思いつきます。

もちろん全てに当てはまるワケではないでしょう。

そして、このへんの認識が正しいかどうかは、ぜんぜん自信ないです。すみません。m(_  _)m

ヘヴィメタルというジャンルが確立したのは70年代のようですが、その最初期のものと言われているのは意外にもビートルズの「ヘルター・スケルター（Helter Skelter）」や、キンクスの「ユー・リアリー・ガット・ミー（You Really Got Me）」だとのこと。

あらためて聴くと、たしかにヘビメタのイメージに繋がるものがありますが、これがヘビメタかと言えば、う〜〜ん…。

※上記2曲は後にヴァンヘイレン（Van Halen）やモトリー・クルー（Mötley Crüe）といった幾多のバンドがカバーしていて、それらは概ねヘヴィーに仕上がっています。

今に至るまでのヘビメタの直接的なイメージを最初に確立したのは、すでにハードロックの項でも触れたブラック・サバスあたりでしょうか。

あっ、ジューダス・プリースト（Judas Priest）がいますね！

1969年にイギリスで結成されたこのバンドは、70年代のうちにヘビメタ化し、今ではメタルゴッドと崇められる存在。

ちなみにもう少し後になるとこんな感じ。

あとは、モーターヘッド（Motörhead）ですか。

こちらもイギリスから。ヘビメタのイメージど真ん中ではないかもしれませんが、荒々しくも疾走感あふれるスピードメタルを展開し、この流れは後にスラッシュメタルなどに繋がっていきます。

80年にはアイアン・メイデン（Iron Maiden）がデビュー。

これは直球ヘビメタですね。このバンドのマスコット？であるエディくんが描かれたアルバムジャケットやTシャツなどのヴィジュアルも「ヘビメタと言えば」のイメージ。

アイアン・メイデンと同期のデフ・レパード（Def Leppard）も、イギリスから起こったN.W.O.B.H.M（ニューウェーヴ・オブ・ブリティッシュ・ヘヴィメタル）ムーブメントの代表格。

このバンドはむちゃくちゃ売れます。

ですが、個人的にはヘビメタ…なのかな？って思います。どーなんでしょ？教えて偉い人！

今さらですが、やっぱりジャンル分けって厳密には不可能だし、不毛ですよね…。

だってホント言ったらどっちでもいいもん、ヘビメタであろうがなかろうが。

じゃあ、何なの？この一連の記事。…いや考えないどこ。w

ま、とにかく

こんな具合にヘビメタのシーンもやはりイギリスが先導しました。

が！

アメリカから、いよいよあのバンドが現れます…。

つづく。

今回ご紹介するドラマーはドラムを叩いている方にはもちろん、ファンクやソウルなどがお好きな方にもよく知られた存在だと思います。

バーナード “プリティ” パーディ

（Bernard “Pretty” Purdie）

です。

60年代から活躍する、トップ・オブ・トップのセッションドラマー（いわゆるスタジオミュージシャン）で、

その参加セッション数は万単位とも言われています。

彼なしには、今や当たり前とされているようなドラミングも生まれてこなかったでしょう。

今もご存命のリヴィング・レジェンド。

ひかえめに言って神です。

パーディ老師のドラムはもう完全にグルーヴ重視。

体感がしっかりしていてノリがまったくヨレません。

非常にタイトなタイミングながらもけっして機械的ではなく、とにかく身体が動き出してしまうような躍動感があります。

聴いていただくのが早いですね。

近年の映像らしいのですが、とても80歳過ぎとは思えない。

超余裕で叩いていますが、ある程度ドラムを叩いたことがある方なら、このグルーヴを出すことがいかに難しいかお分かりだと思います。

ドラムのチューニングも素晴らしく、ハイハットの音色やスネアの粒立ちも極上。

ムダな味付け不用の極上ステーキドラムです。（？）

こりゃみんな呼びたがるワケだわ。

レコーディングセッションにおいて彼の最大の強みは、歌モノのバックでいっさい派手なことをせずとも、彼にしか出せないグルーヴで歌を引き立てられたことでしょう。

携わったレコーディングセッションは、ジェイムス・ブラウン、マイルス・デイヴィス、ボブ・ディラン、アレサ・フランクリン、キング・カーティス、スティーリー・ダン、ボブ・マーリー、モンゴ・サンタマリア、B.B.キング、ジェフ・ベック、ホール＆オーツ、ニーナ・シモン、ギル・スコット・ヘロン、ハービー・ハンコック、ラスト・ポエッツ、はたまたSMAPまで、それはもう膨大な数。

そしてパーディと言えば、「ビートルズでリンゴ・スターの代わりに21曲を叩いた」というまことしやかな噂もあります。

というかこの噂、ご本人発信らしいですが、真偽のほどはいかに…？

ネット上ではいろいろな憶測が飛び交っているので、ご興味があれば調べてみてください。

まぁ…そんな話も出るくらいたくさんのセッションに参加している、と。

これはパーディ氏がリーダーのセッション。

フュージョン、ファンキー・ジャズの名手がズラリ。超贅沢なライブ。

ドラムの奏法では、今やファンキーなドラムで定番のフィルイン「ダチーチー」の生みの親。

さらに、ロックバンドTOTOのドラマーであるジェフ・ポーカロが叩いた「ハーフタイム・シャッフル」の元となった「パーディ・シャッフル」の発案などが有名です。

その素晴らしいグルーヴドラムは後年のドラマーに多大な影響をあたえただけでなく、ヒップホップやR&Bのサンプリングソースとして、今日もいたるところで聴くことができます。

その昔、トラックを作ったりDJをしたりするときに重宝した、パーディ老師のドラム・ブレイクス（ドラムビートだけが延々入ったレコード）。

私のドラムの師匠、狩野さんによるバーナード・パーディ・スタイルのドラミング。

今回は「ピッチ補正」について書いてみます。

レコーディングや、いわゆる宅録（自宅録音）のご経験がない方には、もしかしたら聞きなじみのない言葉かもしれませんね。

ピッチ補正というのは、録音された歌や楽器の音程を専用のソフト（アプリ）を使って補正することを言います。

今やプロからアマチュアまで多くの録音作品で、当たり前のようにこのピッチ補正が施されています。

ご存知ない方は意外に思うかもしれませんが、一般的に歌唱力が高いと言われている歌手の録音でもほとんどはピッチ補正が施されています。

その理由や、ピッチ補正をすることの是非は後述するとして、まずはピッチ補正の簡単な歴史、そしてピッチ補正ソフトとはどんなものなのかを紐解いてみましょう。

本来、ピッチ（Pitch）とは正確には音程を意味する言葉ではなく、正確な音の高さにチューンすることを言います。ちなみに音程は、ある音とある音の音高の差のことで、英語ではインターバル（Interval）と言います。

ところが日本では、ピッチ＝音程として用いられていることもまるで珍しくありません。

でも、この違いをしっかり認識しておくことで、音楽表現の幅は大きく変わってくる、というのは個人的な考えです。

これについてもまたあらためて書いてみたいと思っています。

さて、今ではソフト（アプリ）を使って誰でも簡単に行うことができるピッチ補正ですが、これは具体的に言うと「スピード（長さ）を変えずに音高を上げたり下げたりできる」ということです。

これでピンときた人はアナログ世代かもしれません。w

アナログのメディアで音高を上げ下げしようと思ったらどうすればいいか。

そうです。

再生のスピードを速くしたり遅くしたりすればいいのです。

逆に言えば、再生スピードを変えると一緒に音高も変化してしまうのがアナログの録音物です。

レコードとかカセットテープとか。

前述したようにピッチ補正には、スピード（長さ）を変えずに音高だけを変化させる必要がありますよね。

だから音楽のレコーディングがアナログでしかなかった時代には、ピッチ補正は夢のような技術でした。

アナログでできたことと言えばテープのつぎはぎくらいでした。（それだけでもかなりいろんなことができたし、いろんなことが試されましたが。）

それが80年代以降のデジタル化によって少しづつ変わってきます。

まずサンプラーの登場があります。

サンプラーは外部からの音をデジタル化して取り込み、それを音素材として記憶・再生させる機材です。

Ensoniq、E-MU、AKAIといったメーカーからたくさんの製品が発売されました。

一般化された頃の多くのサンプラーには、録音された音素材の音高を変化させる機能と、音素材の再生時間を伸ばしたり縮めたりする機能がありました。

サンプラーも、ただ音高を上下させるだけだとスピード（長さ）も一緒に変化してしまうのですが、

2つの機能を組み合わせることで、スピードを変えずに音高だけを変化させることも、音高を変えずにスピードだけを変化させることも可能になりました。

ただ、実際には言うほど簡単ではなく、正確に処理しようと思ったら難しい計算が必要でした。

だからそういう使い方をしていた人は多くないんじゃないかな。

私は当時、父親に頼んで計算式を教えてもらいました。

今やその計算式も使う必要がなくなり、どんなものだったか忘れてしまいましたが…。

しばらくするとスウェーデンのPropellerhead社がReCylce!というソフトを開発します。

これはサンプリングした音素材を自動的に細かく切り刻んでくれるというソフトで、こんなの今では当たり前ですが、当時はめっちゃ画期的なシロモノでした。

これによって、元の音素材の一部の音高だけを上げ下げすることが容易になりました。

それでもなお、ピッチ補正という使い方をするにはめちゃくちゃ大変だったと言わざるをえませんが…。

…ヤバい。

めっちゃ長くなっちゃう…。

ここでいったん〆ます。w

つづきます。