今回は、あらためて 「楽譜どおりに演奏するだけでは、音楽の楽しさは半分しか味わえない（かもしれない）」 という話を書きたいと思います。

まず最初に誤解なきよう、初心者の方は、まず楽譜どおりに演奏することを目指して大丈夫です。

むしろ、その達成感をしっかり味わってほしいと思います。

正しい指使い、正しいリズム、正しい音程…

これらを一つずつクリアしていき１曲を演奏しきることは、音楽を始めたばかりの方にとって大きな喜びであり、自信につながります。

料理で言えば、レシピどおりに作って「美味い！ちゃんとできた！」となるあの感じです。

この段階はとても大切で、飛ばす必要はありません。

でも、ある程度弾けるようになってきたら、楽譜どおりに間違えずに弾くことだけを目標にしてしまうのは、実にもったいないことです。

なぜならそれはだんだん、音楽ではなく「音ゲー」になっていってしまうからです。

音楽に合わせてタイミングよく指定されたボタンを叩くアレです。

音ゲーは楽しいですが、そこに「表現」はありません。

「あなたの演奏、音ゲーになっていませんか？」

この問いかけは、経験者の方ほどドキッとするかもしれません。

音ゲーじゃないとすれば、スポーツ的と言ってもいいかもしれませんね。

楽譜どおりに演奏する練習は大切ですが、それだけでは音楽がどんな材料でできているのか、どんな調理方法なのかが見えてきません。

レシピどおりに作るということを繰り返しているだけでは

「この味は何でできているんだろう」

「どんな調味料がどんな配分で使われているんだろう」

といった「味の理由」まではなかなか分かりません。

美味しい料理を食べたとき、その味の正体を想像できるようになると、自分の料理にも活かせるようになりますよね。

余り物の具材で美味しい料理を作ったり、レシピを自分なりに改良したり、完全にオリジナルな料理だって作れます。

食べた料理を再現するのも容易になります。（これはレシピを見なくても食べた料理を再現できる、ということです。）

音楽もまったく同じです。

音楽の材料や調理方法とは、例えばこんなものです。

・音名や階名、音の並び方

・コードの種類や成り立ち

・キーとはなにか

・リズムの組み立て方

・メロディの動き方

・緊張と緩和のコントロール

・反復と変化

・その他の曲の雰囲気を作る要素

こういった材料や調理方法のことが分かってくると、演奏の自由度が一気に広がります。

「悲しい雰囲気のコードは“マイナーコード”と呼ぶんだ」

「マイナーコードって、こういう音の組み合わせなんだ」

こういう小さな知識だけでも、曲の聴こえ方や感じ方がガラッと変わります。

ここで誤解してほしくないのは、必ずしも「音楽理論をしっかり勉強しましょう」という堅い話ではないことです。

料理だって、みんながみんな料理学校に通って「お勉強」するわけではありません。

でも、さっきお話ししたようなことを意識しながら作っていくうちに「この甘さはみりんだな」「この香りはバターとにんにくを炒めたものだな」と分かることもあります。

まずは意識の問題だということを強くお伝えしたいです。

音楽も同じで、少しずつ材料の名前や役割、調理方法が分かってくると、演奏が生き生きとしてどんどん楽しくなります。

音楽を表現できるようになっていきます。

例えば管楽器だと

「ここはマイナーだから少し切なく吹こう」

「このコード進行は物語の着地に向かっているから、ダイナミックに吹こう」

「このフレーズのリズムだと、跳ねるように軽やかに吹こう」

といった 表現の理由づけができるようになります。

これは、楽譜どおりに弾くだけではなかなか身につかない力です。

とくにジャズやポップスの楽譜にはいわゆる発想記号が書かれていませんから…。

ただ、これはどういうことかというと、演奏者に委ねられているということです。

間違えずに吹ければOKということではないのです。

楽譜どおりに弾くことは大切です。

でも、いつまでもそれだけでは音ゲーやスポーツになってしまい、音楽の「味の理由」が見えてきません。

少しずつでいいので音楽の仕組みに触れていくと、演奏の世界が広がり、音ゲーでは味わえない「自分の音楽（表現）」が生まれてくると思います。

楽譜はレシピのようなものです。

そこからどうアレンジするかは、あなたの自由なのです。

気づけばもう3月も終わりですね。

年度の変わり目でバタバタするし、気温も上がったり下がったりで落ち着かない…。

でも春って心機一転の季節で、新生活が始まったり環境が変わったりして「なんか新しいことやってみようかな」という気持ちが湧いてきますね。

毎年この時期はスクールへの問い合わせも増えます。

あと、暖かくなると声も指も動きやすくなりますからね。

冬はどうしても体が固まりやすくて、声が出にくかったり、指が冷えて動かなかったり、集中力が続きにくかったり…。

それが春になると解消されてきます。

つまり春は、新しく始める人にとっても、すでに始めている人にとっても「伸びやすい季節」なんです。

ついでに春に練習するのにおすすめの曲を邦楽と洋楽から1曲ずつ紹介しておきましょう。

どのコースでも取り組みやすい曲です。

まず邦楽はスピッツの「チェリー」。

春にぴったりの軽さと爽やかさがあって、初心者でも取り組みやすい名曲ですね。

歌のキーはスピッツですから男性にとっては若干高め…でも歌いやすい素直なメロディーです。

ギターやピアノで弾くのにもコード進行がとってもシンプル。

アンサンブルを楽しむにももってこいです。

もちろん拘れば奥が深くもあります。

「最初の1曲」としても、「久しぶりに音楽戻りたい」という方にもおすすめです。

洋楽は Jason Mraz（ジェイソン・ムラーズ）の 「I’m Yours」。

洋楽デビューに最適な1曲です。

とにかく曲の雰囲気が軽くて前向きで、春の空気にぴったり。

こちらはさらにコード進行がシンプルで、ギター・ウクレレ・ピアノ全部相性がいい。

歌も無理なく歌えるメロディなので洋楽が初めてでも安心してトライできます。

やっていると自然と気分が上がる名曲です。

さらについでに「春から始める練習メニュー」の例も。

・基礎練習　5分　（スケールやコード、運指、呼吸、リズムなど）

・曲練習　8分　（録音しましょう）

・録音の振り返り　2分（これをするとしないでは大違い！）

全部で15分！

毎日できれば理想的ですが、1日おき、2日おき、週に1回でも、とにかくコンスタントに継続してみましょう。

夏まで継続できたら、きっと成果を感じ取れると思います。

そして夏まで続いたなら、にわかに習慣化してきていますので、今度は冬まで続けてみましょう。

どうでしょ…1年後が楽しみじゃないですか？

というわけで、春は何をするにも気分のいい季節です。

このタイミングで「今年こそ音楽やりたい」「ちょっとブランクあるけど再開したい」という方、体験レッスンのお問い合わせお待ちしております。

寒さのピークが過ぎてここからだんだん春が近づいてきますね。

花粉は辛いけど、暖かくなってくるのは嬉しいです。

暖かくなっていくこのタイミングに何か新しいことを始めてみようと考える方もいらっしゃると思います。

ここではもちろん、そんなときにお勧めしたいのは音楽です。

音楽はいくつまででも末長く楽しめますし、音楽をやっている人には認知機能の向上、心身の健康維持などさまざまなメリットがあると言われています。

ま、そんな理由をいろいろ並べなくても、とにかく「音楽楽しいからやろうよ！」ってことなんですけれども…。

かねてからサックスやってみたかったとか、ピアノ弾けたらいいなとか、やりたい楽器が決まっている方もいらっしゃると思いますが、なかには「何かしら音楽をやってみたいけど、どの楽器がいいのかな…」という方もいらっしゃると思います。

ということで今回のブログは、どんな人にどんな楽器が適しているのか考えてみよるというわけです。

・ピアノ

まずは楽器の王様、ピアノです。

ピアノの強みはなんと言ってもあらゆる音楽を1台の楽器で完結できるほどの許容のデカさです。

10本の指と88の鍵盤をもって、あらゆるメロディ、ハーモニー、リズムを叩き出すことができます。

もちろん、それ相応の練習は必要ですが…。

ただ、よく「両手で別々の動きをするなんてムリだよ！」なんて声を聞きますが、これはちょっと誤解があります。

奏でているのはあくまで1つの音楽であって、左右の手指は無関係な動きをしているわけではないのです。

ピアノのレッスンというとクラシックピアノのお稽古をイメージする方も多いと思いますが、ジャズやポピュラーピアノではピアノへの導入はクラシックとは多少異なります。

いわゆるコードを使ったアプローチが一般的で、じつは堅苦しくなくどなたでも気軽に入っていけます。

ピアノは視覚的にもメロディの動きやハーモニーを捉えやすい楽器です。

じっくりコードの成り立ちを確認して弾いていくような、堅実タイプの方には向いているかもしれません。

また、生のピアノを買ったり、それを使っての自宅での練習が難しくても、最近は性能のいい電子ピアノがたくさんあります。

そういう意味では練習環境にはあまり困らない楽器とも言えます。

1人でマイペースに自分だけの演奏表現をしたい、という方にもおすすめです。

・ギター

ピアノと並んでポピュラーで人気があるのがギターです。

ピアノほどの万能感はないものの、やはりメロディ、ハーモニー、リズムを1本の楽器で担うことができます。

そしてピアノと違って、どこへでも気軽に持ち出せるという点は大きいですね。

キャンプ→キャンプファイヤー→ギターで歌う、といった感じです。

ギターはピアノと違ってクラシックのイメージはあまりないかもしれません。

実際、小難しいことは抜きに見よう見まねでコード演奏から入るというパターンが多いのでは。

その気軽さが最大の特徴と言っても過言ではありません。

ギターがよく用いられる音楽もロックからフォーク、ジャズ、ボサノバなど多岐にわたり奏法もいろいろですが、ひとまずシンプルなコード弾きができれば音楽を奏でられるというのが嬉しいですね。

手の小ささを懸念される方もいらっしゃいますが、手が小さくてギターが弾けないということはあまりないと思います。

上手な人がみんな手がバカでかいわけではありませんから。

大きくはエレキギターとアコースティックギターという区分がありますが、ほとんどの場合奏法にはたいした違いはありません。

好きな方から始めてみるといいと思います。

練習場所にもあまり困らないし、番人向けの楽器と言えるかも…

2026年もfestina-lente music schoolをよろしくお願いいたします。

12月末には恒例の忘年会&演奏会を実施しました。

今回も緊張と笑顔の演奏…からのどんちゃん騒ぎで2025年を締めくくりました。

さて、ちょっと演奏会で思ったことを書いてみます。

みなさん、一生懸命に演奏を楽しんでくださったと思うのですが、こういうときの演奏になるとことさら「原曲どおりにやらなきゃ」と思っている方が多いように感じます。

その気持ちはとても真面目で、音楽に対する誠実さの表れでもあると思います。

実際、原曲どおりにコピーすることにはたくさんのメリットがあります。

耳コピであれば耳を鍛えられる、楽譜があるなら譜読みの練習に、難しいリズムやコード、技術にトライできる…なにより、やりきったときの達成感があります。

憧れの曲を「原曲どおりに弾けた！」という喜びは大きいですよね。

ただ覚えておいていただきたいのは、原曲の演奏というのは、長い年月をかけて技術を高めたプロのベストテイクを録音したものが大半だということです。

最近の楽曲では、それをさらに修正したり編集したりしてあることもめずらしくありません。

だからそれを再現しようとするのは、なかなかにハードであることは当然なのです。

その上で合奏となると、プロは自分のパートだけで精一杯になることなく、全体を俯瞰して聴きながら合奏メンバー全員ですばらしいアンサンブルを築いています。

自分のやるべきことだけやればいいという考えではなく、「全員でひとつの音楽を奏でるんだ」という意識はすごく大切です。

そうなると、他のメンバーが鳴らしている音をよく聴きながら演奏する必要があります。

難しいフレーズを演奏しながら、周りの音をよく聴きながら協力してアンサンブルを良いものにしていく…。

どーですか？

かなり難しそうですよね。

…さすがプロ！なのです。

実際、生徒さんたちの演奏の様子を見ていると、必死に指板や鍵盤、楽譜を見ていて互いの音を聴く余裕はあまりなさそう…。

すべてを真似するのが難しいとなったとき、各々のパートを詳細までコピーするよりも、むしろ「みんなでアンサンブルを作る」ということを真似してみてはどうでしょうか。

真似してみると言っても目に見えないことなので、まずはその意識を持つことから。

具体的に言うと、なるべく他の人の音を聴くということです。

そのためには、各々が演奏する内容を原曲よりぐっとシンプルにする必要があるかもしれません。

せっかくの好きな曲を…と思われるかもしれませんが、そうやってアレンジを簡略化しても、元の曲が持つメロディやハーモニー、歌詞の素晴らしさはほとんど損なわれないはずです。

シンプルなアレンジに変更するにも知識や技術が必要ですが、そこは講師に頼ってもらえれば大丈夫です。

なにしろ「合奏を楽しむ余裕」を生むことが大事です。

個人的には、原曲どおりにこだわりすぎて自分のパートをこなすのに必死になるよりも、周りの音を聴きながら一緒に音楽を作る方が、合奏の在り方のとしてはいいんじゃないかなって思うんです。

だから演奏会はどちらかと言えば「正解の演奏ができるかを試す場」ではなく「音を分かち合う場」にできたらいいな。

原曲コピーの練習で培った力を活かしながらも、合奏では肩の力を抜いて楽しむことを大事にしてほしい。

どちらかと言えばその方が、健やかで豊かな経験になるような気がします。

原曲コピーのメリットも活かしつつ、合奏では自由に楽しめるように、そんなふうに取り組めたらステキですね。

みんなで音を合わせる喜びを、もっと気軽に味わっていきましょう。

2025年も終わりますね…。

今年も一年、スクールでたくさんの生徒さんと時間を過ごしました。

ホント、幸せです。

いつもご受講ありがとうございます。

その中で今年も、何人かの生徒さんはそれぞれの事情があってスクールをやめていかれました。

仕方がないこととはいえ、やっぱり寂しいです…。

でも私は思っています。

スクールをやめても音楽は続けてほしいって。

レッスンを終えることと、音楽をやめることはまったく別のことですもんね。

だからいつも最後のレッスンでは「音楽はずっと続けてくださいね」と伝えています。

実際には「なかなか上手くならない」と悩みながらレッスンを受けてくださっている方も少なくありません。（それでもこちらから見ているかぎりでは、着実に上達しているのですが…）

飲み込みが早い人も、そうでない人もいて、そこにはたしかに差があるかもしれません。

けれど、すぐに出来るようになるかどうかは、本当は重要ではないのです。

大切なのは、続けていくこと。やめないこと。

続けてさえいれば、大概のことはいつか出来るようになります。

続けていく途中では、音楽との距離が空き、接し方が細くなってしまうこともあると思います。

楽器に触れない日や歌えない日が続いてしまうこともあるでしょう。

でも、それでもいいですよ。

間隔が少し空いてもいい。

一度にたくさんの時間を費やせなくてもいい。

ひさしぶりにピアノの鍵盤を前にしたとき、ギターを手にしたとき、歌声を出したとき…。

その瞬間に「やっぱり音楽っていいな」と思えるなら、それだけで十分じゃないですか。

音楽を始めたばかりの頃って、そういうちょっとしたことに感動できてたと思うんですよ。

だから、たま〜に少し楽器に触ったり、音を出したり、歌ったりするだけでもいい。

とにかくやめないで続けていれば、また音楽に時間がとれることも、グッとモチベーションが上がることもあるでしょうから…。

そして音楽は、続けることできっと応えてくれます。

少しずつでも以前できなかったことができるようになったり、目に見えるほどの上達がないにしても聴こえ方が変わってきたり、リラックスして演奏できるようになったり、イメージを膨らませて歌えるようになったり…

そういう気づきや喜びは、続けた人だけが味わえるものですよね。

ぜひ、他人と競争するのではなく、自分なりの音楽とのステキな距離やペースで末長く楽しんでください。

さて一方で、今年も新たに音楽を始める生徒さんにもたくさん出会えました。

その最初の一歩を見守り、バックアップできることは本当に幸せなことです。

「音楽をやってみたい」と思ってくれたその気持ちに応えて、ずっと長く音楽を楽しんでいただけるように…

来年も楽しく身になるレッスンを心がけていきたいと思います。

なんでもすぐに成果を出したい、すぐに知りたい、すぐに見たい…過程よりも結果を急ぐ世の中ですが、ゆっくり回り道をして、そこでしか見れない景色を楽しむ余裕を持つのもいいですよね。

ちょっと乱文になっちゃいましたが、そんなことを思いながら暮れのご挨拶とさせていただきます。

みなさまよいお年をお迎えくださいませ～。