ジャンルを整理する10 グラムロック

 

70年代のロックはトピックが盛りだくさんですね。

今回はグラムロックについて書いてみます。

 

 

「グラム」の語源はグラマラス(魅力的な)。

このジャンルの特徴は音楽的なものよりも、衣装やメイク、ステージなどビジュアルによって世界観を打ち出している点にあります。

 

グラムロックのアーティストは個性的かつ中性的な衣装やメイクといった出立ちで、ロックスターという言葉がよく似合います。

グラムロックが生まれた背景には諸説あるようですが、ハードロックやヘヴィーメタルなどのマッチョなムーブメントへのカウンターともとれるかもしれません。

 

 

このムーブメントもやはりイギリスが発祥で、T-REX(マーク・ボラン)デヴィッド・ボウイロキシー・ミュージックスレイドモット・ザ・フープルといった代表的なバンド/ミュージシャンはいずれもイギリス出身です。

 

中でも、グラムロックの立役者、マーク・ボラン擁するT-REX、そしてデヴィッド・ボウイの影響力は絶大でした。

しかし、1977年にマーク・ボランは事故で亡くなってしまいます。

グラムロックの象徴でもあったボランの死がきっかけかどうかは分かりませんが、この頃からグラムロックのムーブメントは衰退していきます。

 

デヴィッド・ボウイはと言うと、グラムロック以降も何度も自らのイメージを刷新して、ときに時代をリードし、ときに距離を取りながら確固たるアーティスト像を作りあげました。

ジャズの世界ではマイルス・デイヴィスが思いつきますが、そうやって表現方法は時代時代で変化させながらも常に唯一無二の存在感を放つ、まさにアーティストと呼ぶに相応しい、ボウイもまたそんなミュージシャンだと思います。

 

 

グラムロックの流行は70年代の終わりには収束してしまいますが、その後も根強い支持はあり、今現在も世界各地に「グラムっぽい」バンド/ミュージシャンがいます。

日本ではジュリーこと沢田研二さんや、忌野清志郎さんのメイク、衣装、ステージングにはグラムロックからの影響が見て取れますし、マルコシアス・バンプやイエロー・モンキーといったバンドにもグラムロックの影響は大きいと言えるでしょう。

 

ついに!ドラム/パーカッションコース開講!

ついに!

festina-lente music schoolにドラム/パーカッションコースができました!

 

わ〜〜〜い。

わ〜〜〜い。

 

これで生徒さん同士のセッションや、スクールの演奏会も、もっと賑やかに楽しくなること間違いなし。

スクールにも小口径のドラムセットを設置予定ですが、ドラム/パーカッションコースのレッスンは基本的にJR五反田駅から徒歩5分の外部スタジオで行うことになります。

 

講師には、これまでもスクールの企画などに度々協力してもらっていた山口陽輔を迎えました。

誰とでもすぐ打ち解ける持ち前の明るさで、スクールに新しい風を送り込んでくれることを期待してます。

 

 

ドラムやパーカッション、叩いてみたかったんだよな〜〜

というあなた!

ぜひ体験レッスンをご受講ください!

お申し込み、お待ちしております!

今なら体験レッスン無料!さらに2ヶ月間受講料1,000円OFF!

 

※ドラム/パーカッションコースはオンラインクラスには対応しておりません。ご了承ください。

 

 

YOSUKE YAMAGUCHI

山口 陽輔

 

担当コース:ドラム/パーカッション

 

群馬県出身。幼少期よりピアニストの母の影響で音楽を始める。

11歳からドラム、パーカッションを渋谷吉久氏に師事する。

日本大学芸術学部、音楽学科弦管打楽器コースへ進学のため上京。大学ではロック、ポップス、ジャズ、クラシック、ゴスペルなどさまざまな奏法を学ぶ。

在学中に自身のバンドやその他のサポート活動などを経て、20112月にメジャーデビュー。

その後、さまざまなアーティストのサポートやツアー、レコーディングの他、チャリティコンサートへの出演など精力的な活動を展開する。

またその傍ら講師業も拡大し、吹奏楽のコーチを含めプロアマ問わず累計300人以上のレッスンを行う。

生徒11人との関係、そして個々に合った角度でのアプローチを大切にレッスンにあたっている。

 

 

演奏中の「聴く」について

 

先日、たくさん音楽を聴くことをお勧めする記事を書きましたが、今回は

演奏中(練習中)の「聴く」

について。

 

 

よく言われることですが、

歌ったり演奏したりするうえで、その最中に「聴く」ということはとても重要です。

 

音楽は、完全なソロ(独唱・独奏)でないかぎりは、自分以外の誰かが鳴らしている(歌っている)音があり、それらの音と自分が発する音との関係で成り立ちます。

ですから、この「関係」を意識的によく聴くことが大切なのは当然ですね。

カラオケでも然りです。

関係をよく聴いて、まずは自分が発する音のリズムや音程を合わせていくのが基本です。

 

 

 

ところがセッションやバンドでのアンサンブルとなると、つい聴くことがおろそかになりがちです。

 

原因はいろいろでしょうが、

取り上げている曲が難しすぎる場合、自分の演奏に必死で周りの音を聴く余裕など無くなってしまうのは必然です。

アンサンブルで「聴く」には余裕がなくてはなりません。

 

だから、このことに関しては

シンプルな曲がオススメです。

 

もちろん自分が(自分たちが)「演奏したい」と思う曲を演奏するのが一番ですが、

試しにシンプルな曲を題材に、周囲と自分の音の関係性によく耳を傾けてみてください。

 

もしかすると、それまでいかに自分の演奏に必死で周りが聴けていなかったか、気づくかもしれません。

よく聴きながら演奏すると、演奏中にいろいろなことを感じられると思います。

 

 

と言うことで、個人としてもバンドとしても、「聴く」ことは上達のうえで不可欠です。

ですが、上達するしない以前に、聴くことでもっとアンサンブルが楽しくなるはずです。

難しいフレーズや曲をこなすのもやりがいのあることに違いありませんが、せっかく誰かとアンサンブルするのなら、その関係性を楽しまないのはもったいないと思いませんか?

 

 

また、演奏内容に余裕が無いわけではなくとも、聴くことがおろそかになりがちな場合もあります。

演奏を録音して後で聴いてみたら、自分が思っていたのと全然違う、かなりギャップがある、という人はこのケースかもしれません。

 

余裕が無いわけじゃないのなら、あとは意識の問題です。

 

今までの意識では、「聞こえてきていた」程度だった周りの音を、積極的に「聴く」ようにしてみましょう。

そのとき、漠然と全体を聴こうとしても大変なので、どれか1つのパートに絞って聴くようにしてみるといいかもしれません。

1つのパートを聴けるようになったら、曲の途中で聴くパートを他に切り替えてみてください。

そうやって切り替えを細かくしていくうちに、全体でも聴けるようになる気がします。

 

 

そしてもちろん自分の音を聴くことも大切です。

例えばなるべく客観的に。

ただ、自分の音は意識しなくてもある程度聴けているはずですので、いったんは周りの音を聴くことにたくさん意識を割いてもいいと思います。

 

あのバンドの音源が…

【速報】

あの太鼓ダブ・ブレイクビーツ・バンド「ngoma」の音源が配信・サブスクでリリースされます!

CDリリースのフルアルバムはもちろん、アナログ盤のみでリリースされていたシングル収録の豪華リミキサー陣によるリミックス、サンプリングOKのアカペラ太鼓ビートも余すことなく初デジタル化!

 

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わたくし高野が参加していたバンド「ngoma」の音源が配信・サブスクでお聴きいただけるようになります。

Spotify、Apple Musicなど、主なサービスであればどれでもOKとのこと。

11月28日から!

当時の活動を知る方はもちろん、未体験の方はぜひあのサウンドを味わってください!

 

ngoma 配信リリース linkcore URL

In Between Wanderland(フルアルバム)
https://linkco.re/gEfY5Sea

Red Stripe E.P.
https://linkco.re/ShC4uaFg

Heretical Flower E.P.
https://linkco.re/cpxex1yr

OVER THE OVER E.P.
https://linkco.re/RfTScuHd

 

なんと、このタイミングでFacebookのページもできちゃいました。

Taiko Dub-Breakbeat Band “ngoma”

よろしかったらご登録を、お願いいたしますー。

 

10年ぶりの復活はあるのか??

 

 

 

ngoma

和太鼓、ベース、パーカッション、サックス、 MPC2000、ターンテーブル、ダブ・エフェクトなどで編成されるブレイクビーツバンド。 スワヒリ語で「太鼓/ 宴/ 踊り」などを意味する単語[ngoma ンゴマ] をバンド名に冠し、ともすれば飛び道具になってしまうほど個性的な「和太鼓」を一つの楽器としてバンドに融合させ、精神と身体を共に昇華させる宴のようなグルーヴが弾けるライブは必見。2005年3月の結成以来ライブを積み重ね、様々な野外フェス、全国ツアー、自主企画”BANQUET”などを通し着実に その名を広めていく。音源は2006年に井上薫率いるSEEDS AND GROUNDのコンピレーションCDに楽曲提供したのを皮切りに、 自主レーベル”sonimage-Lab.inc”より12inchアナログを3枚、2008年にフルアルバムCDをリリース。岩城ケンタロウ、DJ DAIKEI、KAITO (a.k.a Hiroshi Watanabe)、井上薫らが手がけたリミックスも好評で、ロンドンのラジオ局BBCの看板番組である ジャイルス・ピーターソンの”World Wide”で立て続けにオンエアされるなど、国内外で高く評価されている。

ジャンルを整理する⑨続ハードロック・各国各地のロック

 

イギリスのバンドが先導したハードロックですが、そのムーブメントはすぐさま各国へ飛び火します。

 

イギリスでは前回ご紹介したバンドにつづき、クイーン(Queenジューダス・プリースト(Judas Priestなど

ロックの母国アメリカからはエアロスミス(Aerosmithキッス(KISS

オーストラリアからはAC/DC

カナダからはラッシュ(RUSH

ドイツからはスコーピオンズ(Scorpions

アイルランドからはシン・リジィ (Thin Lizzy) 

スウェーデンからはヨーロッパ(EUROPE

フィンランドからはハノイ・ロックス(Hanoi Rocks

日本からはラウドネス(LOUDNESS

などなど。

 

 

ハードロックは音楽的特徴で言えば、ヘヴィーメタルプログレッシヴロックに枝分かれしていきますが、一方で、上記のバンドのように世界中の各国・各地から発信されるようになり、その場所に根ざした特徴も持つようになっていきます。

その結果、国や地域の名前を冠したロックジャンルの括り方も出てきます。

アメリカンロック、UKロック、ジャーマンメタル、北欧メタル、LAメタルなどなど。

 

この括りは国や地域の名前を冠してしまえばなんとでも言えてしまうことなので、必ずしも音楽的特徴を見いだすことができるかというと、その限りではないかもしれません。

でも、音楽が生み出されるとき、その背景というのは多分に音楽そのものにも影響があるだろうことは容易に想像できます。

例えばフレンチポップと聞くと、ある種の音像を思い浮かべたりしますから。

歌をどの言語で歌っているかも重要ですね。

 

 

さて、そんな流れでちょっと触れておきたいのが、

サンタナ

です。

メキシコ出身のギタリスト、カルロス・サンタナを中心とした、ラテンロックバンド。(バンドとしてはアメリカ発)

ウッドストックにも出演しているので、ハードロック黎明期から活動していることになります。

その音楽性はラテン要素やブルージーさなど土着的でありながら、フュージョンなど当時の先端と言える洗練された要素を合わせ持っていました。

 

 

こうしてロックは世界各地の音楽やカルチャーと混ざり合い、よりいっそう多様化していきます。

お待ちしております!

涼しくなってきた頃から、ようやく、またお問い合わせやお申込みをいただけるようになってきました。

 

まだまだ予断を許さない状況ではありますが、こんな時期だからこそ、今までやりたかったことにじっくり取り組んでみよう、という思いの方もいらっしゃるようです。

前回のブログでも書いたように、上達しようとした場合にそれが出来るか否かは、けっきょくは本人の取り組み次第です。

そういう意味では1人での時間が増えている方にとっては、よいタイミングなのかもしれません。

 

また、スクールでは引き続き感染拡大防止に最善を尽くしながら、みなさまと音楽を楽しんでいけるよう努めてまいります。

レギュラークラスの他、初心者向けのエントリークラス、オンラインクラスといずれも新規入学生をお待ちしております。

コースはヴォーカル、弾き語り、ピアノ、ギター、ベース、ウクレレ、サックス、フルートなどご用意しています。

 

 

いつも言っていることですが、音楽を始めるのに、年齢や経験は関係ありません。

「音楽を楽しむための力」を身につけることのできるレッスン、ぜひ受けてみてください!

 

ただいま、体験レッスン無料!

秋のキャンペーンも実施中でございます!

 

ありがたい存在

 

音楽を楽しみ上達していくのに大切なことはいくつも考えられるし、人によっても違うでしょう。

ただ、多くの方にとって

「自分の周りの音楽をする人の存在」

というのは大きいのではないでしょうか。

 

少なくとも私にとっては、先生・師匠はもちろんのこと、同級生、先輩、後輩に限らず学生の頃の音楽仲間、そして大人になってから音楽を介してお付き合いさせていただいている方々からもらったものはとても大きいと感じています。

互いに考え方や感情があるので、ときに煩わしいこともありますが、自分1人では今のようにはなっていないでしょう。まだまだですが

 

知らないミュージシャンやバンドを教えてもらったり、演奏のコツを聞いたり、一緒にセッションしたり、ライブを聴きに行ったり

たくさんの刺激をもらい、アドバイスをもらい、励まされ、指摘され、共有させてもらいました。

 

 

私はこのスクールを、そういった音楽を楽しみ打ち込んでいる人同士を繋げる、ハブのような場所にしていきたいと思っていました。

先日も、小規模ですが生徒さんたち数人とセッションをしました。

徐々にコミュニティースペースとしても機能してきた感があり、嬉しいです。

 

 

ところで一方で、1人で探して、考えて、練習して、発見して、作っていくことも素晴らしいし大事なことです。

とくに上達したいと思っているのなら、1人で追及する時間は不可欠でしょう。

どんな環境であれ、それをやるかどうかはけっきょく自分しだいということだと思います。

遊び幅を使って表現力アップ

 

今回はひさしぶりにサックスのお話を。

 

サックスのカッコいい演奏をイメージしたとき、ブルージーな雰囲気が漂った演奏を思い浮かべる方も少なくないんじゃないでしょうか。

 

ブルージーさを感じる要素はたくさんあります。

音使い、リズム、音程、音色、強弱、音の長さ、音の繋ぎ方

 

 

さて、誤解を恐れずに言えば、ブルージーな演奏というのは往々にして、音使いを除いたこれら多くの要素が、

若干ルーズ

だったりします。

 

逆に機械のように正確・端正だとブルージーさはなかなか出ないのです。

「遊び」と言ってもいいかもしれません。「ハンドルの遊び」の「遊び」。

 

 

サックスは、とくに「音程の遊び幅が大きい」という特徴があります。

これはピアノなど他の楽器にはなかなか無い特徴で、サックス以上の音程の遊び幅となると、トロンボーンやヴァイオリン類、そして歌(ヴォーカル)など限られてきます。

 

そして、こういった音程の遊び幅が大きい楽器(歌)というのは、裏を返せば「音程をとるのが難しい」とも言えます。

そのため、楽器(歌)を始めてからの当面は正確な音程に合わせることが命題となってきます。

 

確かに音程を正確に合わせようとする意識や、そのためのコントロール力をつけることは重要ですが、それだけを突き詰めていくといつしか、「機械のように正確なことこそすべて」という考えにいたる可能性がなきにしもあらずです。

 

あくまで「好みの問題」なので、正確な演奏をまったく否定はしませんが、

せっかくある遊び幅を使って表現の幅を広げていくのも面白いのではないでしょうか

 

 

例えば、ジャズやブルースはもちろんのこと、ファンクやロックでも「ブルーノート」と呼ばれる音をよく使います。

この音は、ざっくりした説明としては「メジャースケールの3rd、5th、7thをそれぞれ♭3rd、♭5th、♭7thにしたもの」となりますが、厳密に言えば半音下げるのではなく「ほんのちょっと下げる」となります。

半音よりもちょっと。

ですから、西洋式の12音平均律(ピアノのような均等な半音からなる調律)には無い音程ということです。

 

しかし!サックスは、ベンドという音程を上下に変化させるテクニックを使って絶妙な音程にコントロールできるんですね。

 

わ〜〜い。

 

ブルーノートの音程を数値化して確認するのも悪くないと思いますが、けっきょくのところ「ブルージーな雰囲気」がイメージできていることが重要です

そのためにはやはり、そういった演奏をたくさん聴くことが大切でしょう。

 

 

また、アンブシュアについては、正確な音程に合わせ、それを維持しようと練習している過程で、ガチガチに固めてしまう方も少なくないと思います。

ですが、これを後からほぐして柔軟にするのはちょっと骨が折れることになります。

できたら、音程の遊び幅があることを悪いこととは捉えず、その遊び幅を狭めることなく音程をコントロール・維持できるようにしていけるといいですね。

 

練習時間 ≦ 〇〇時間

 

音楽の力をつけようとしたとき、「聴く」ということの大切さを以前にも増して感じるようになってきた今日この頃ですが…

みなさまこんにちは。

今日はどんな音楽に、どんな触れ方をしましたか?

 

 

もっともシンプルでいて、もっともと言っていいほど重要な「聴く」という行為。

 

上達したいのであれば、練習ももちろん必要ですが、たくさん音楽を聴いていきましょう。

漠然と何時間も練習するより、集中して1曲を聴くことの方が得られるものが大きい場合もあります。

 

 

練習時間 ≦ 聴く時間

 

意外とこれが逆転している方も多いかもしれません。

もちろんそれが悪いということもなく、人によっては聴くことよりも練習に時間を割くことが必要なタイミングもあるでしょう。

しかし、聴く時間が「0」のままでは大きな上達は見込めないと私は思います。

 

 

音楽は音の情報による表現ですので、楽譜や文章などをいくら駆使してもその代わりは務まりません。

とくに初歩的な演奏(発音したり、音の高さを変えたり、任意のリズムで演奏したり)ができるようになった方が、「こんな風に演奏したい」という目標を持っているのなら、練習する量(時間)より、まずその手本となる演奏をよく聴き込むことが重要です。

 

 

当然、聴くと言っても、ただ音楽を流してボーッとしていても、この場合はあまり意味がありません。

いろんな角度から、自分が演奏することを踏まえて聴きます。

さらに、自分のパート以外の音と自分のパートの音の関係を意識しながら聴く。

 

例えば、ボーカルやサックスなどのメロディー楽器の方は、その自分が歌うもしくは演奏するメロディーばかりを聴いてしまいがちですが、他の楽器にも耳を傾けてみましょう。

ドラムやベースがどんなリズムを打ち出しているか、コード進行にはどんな雰囲気があるのか、どのタイミングでコードが変わっていくか…。

反対に、ドラムや打楽器の方はメロディーやコード進行を、コード担当の方はメロディーやリズムを、という具合にそれぞれの役割とは別の部分も意識して聴いて、そしてまた全体を聴く。

拍子や小節を意識して聴いてみるのもいいですね。

他にも、ダイナミクス(強弱)や、滑らかさ、歯切れの良さ、音色、音響……じつにいろいろな要素があります。

 

 

言うまでもありませんが、練習も大切です。

音楽を聴いていれば、練習することなく上達すると言っているわけではありません。

ただ、この場合、ボーッと聴いていても意味がないのと同様で、練習も時間よりも密度や質が重要です。

 

ジャンルを整理してみる⑧初期ハードロック

 

ハードロック1970年頃から一気に盛り上がっていきますが、その先陣を切ったのは

レッドツェッペリンディープパープルブラックサバス

といったバンドです。

 

 

中でもデビュー当初(1968年デビュー)からハードロックサウンドを志向していたのはレッドツェッペリンです。

ハードロックの元祖と言えるバンドですね。

ギタリストは、エリック・クラプトン、ジェフ・ベックにならび称されるジミー・ペイジで、さらに伝説的ドラマーのジョン・ボーナム、ブルージーかつハイトーンで歌い上げるロバート・プラント、素晴らしいベーシストでありキーボード奏者でもあるジョン・ポール・ジョーンズという布陣。

今や一般的になったハードロックのイメージのほとんどは、レッドツェッペリンが作ったものと言っても過言はないでしょう。

音が大きいこと。

ブルージーであること。

ソロがフィーチャーされること。

ヴォーカルがハイトーンでシャウトすること。

ギターを構える位置が低いこと。

そして演奏力が高いこと。

などなど。

その影響の大きさは計り知れません。

 

 

間も無くディープパープルもレッドツェッペリンの影響を受けハードロック路線に。

ディープパープルにもリッチー・ブラックモアという素晴らしいギタリストがいます。彼はオルガン奏者のジョン・ロードとともにクラシカルな要素をハードロックに融合させ、バンドのカラーとします。

以降、クラシカルな要素が入ることも、ハードロックのひとつの定番スタイルになっていきます。

またそういった要素は、ヘヴィーメタルやプログレッシヴロックに発展していくことにもなります。

 

 

ブラックサバスは初期のハードロックバンドであり、ヘヴィーメタルの元祖でもあるバンドです。

初代ヴォーカルのオジー・オズボーンはその象徴的な存在で、現在もヘヴィーメタルに付きものの「悪魔」っぽいイメージのオリジネーターです。

ギタリストであるトニー・アイオミは、ヘヴィーなリフ(繰り返される印象的なフレーズ)をたくさん生み出していて、やはりこのバンドの影響力も絶大です。

 

 

さて、彼らはいずれもイギリスのバンドです。

ビートルズ以降、イギリスはロックのトレンドを発信しつづけてきました。

ロックの発祥はアメリカでも、その発展にはイギリスのバンドによる功績が大きいと言えるでしょう。

 

 

ザ・フー

また、同じくイギリスのバンド、ザ・フーは、ビートルズやローリングストーンズとほぼ同時期に活動を開始しながらも、ハードロック的なラウドな演奏が特徴で、モッズや後のパンクに繋がるようなアティチュードも有していました。

音楽面のイニシアティブを持つのはギタリストのピート・タウンゼント。ドラムのキース・ムーン、ベースのジョン・エントウィッセルという強力な演奏メンバー、さらにマイクぶん回し系のロジャー・ダドリーの歌からなるアンサンブルの破壊力は凄まじいものがあります。

ザ・フーは音楽性の振り幅も広く、一般的にはハードロックの枠ではあまり語られないかもしれませんが、後発のハードロックバンドへの影響力も大きかったと思います。