「アーパツアパツ、アーパツアパツ、ア、アハアハ」

これ、巷でよく流れてますよね。

「APT.」

韓国のグループBlack Pinkのロゼと、ブルーノ・マーズの2人による軽快なナンバー。

とにかく冒頭のフレーズがサイコーにシンプルで歌いやすい。

この分かりやすさ、覚えやすさに肩を並べる曲はちょっとパッと思いつかなかったです。

で、こういう曲をみんなでセッションするのって楽しいんじゃないかって提案です。

だからべつに「APT.」じゃなきゃというわけではなく、シンプルで分かりやすい曲なら何でもいいんですが。

セッションのときに自分のパートをこなすことでいっぱいっぱいになって、アンサンブルを楽しむ余裕がないってのはあるあるですよね。

セッション、アンサンブルっていうのはけっして1人じゃできないものです。

そして自分以外の複数の人と一緒に演奏する機会って、人によってはあまり多くないかもしれません。

だから「その部分」を楽しまないと、せっかくのセッションがもったいないんじゃないかと思うんです。

みんなで何かやるなら思い入れのある大好きでカッコいいあの曲がいい！ってのはよく分かるのですが、そういう曲はえてして難しかったりしませんか？

もちろん、そういう曲にトライすることはとってもステキです。

でもセッション、アンサンブルのビギナーの方は、まずは人と一緒に演奏することの楽しさを感じていただけたら嬉しいなって思います。

そのためにはある程度演奏の難易度を下げて演奏中に周りの人の音を聴く必要があります。

自分のパートを間違えないようにと必死になった結果、周りの音を聴けないくらいだったら、多少間違えてしまってもかまわないので周りに耳を向けることを優先してみてください。

間違えずに演奏するっていうのはたしかに大切ですが、必ずしも一番大切なこととは限りません。

一音も間違えずに演奏することよりも、一緒に演奏するメンバーとしっかりテンポを共有して各々が自立したリズムを刻むこと、音の長さを合わせてピタッと止めるところを止め、強弱の波を合わせるなど、曲の全体感や肝心な部分を合わせることに意識を割いてみてください。

演奏の難易度を下げるという意味では、完コピにこだわらないというのもポイントです。

曲に必要な外せない要素と、そうでもない要素を自分で分けられるといいですね。

目安はパッと聴いて耳に残る部分は外せない、何度聴いてもよくわからない部分は簡略化しちゃってもいい、という感じで。

そうすると意外とシンプルになってきますよね。

さて、どうですかね？

合奏中の景色や聴こえ方が変わってきませんか？

演奏しながら目が合うだけでも楽しいものです。

はたまた目を合わせてもいないのに、申し合わせたかのようにアクセントがバッチリ合ったりした日にはもうやみつきキャベツ。

こうなってくると、ある意味では曲はなんでもよかったりします。

むしろ小難しい曲よりも、シンプルな曲の方が好まれることも少なくありません。

ということで、まずはアーパツあたりからレッツアンサンブル～♪

みなさん、今日も弾き語りしてますか～！？

ということで今回は、未来のギターの弾き語リストに向けまして

「保存版！この16コードから覚えるべし！」

という内容で書いてみたいと思います。

コードっていろんな種類がありますよね。

いったいいくつくらいあるんでしょうか。

いくつくらいだと思います？

30個くらい？40個くらい？

じつは私も分かりません（爆）が、テンションコードなんてのも含めると300個くらいは余裕であります。

あら～…けっこうな数ですね。

さて、あなたはその内いくつ押さえられますか？

3つ？4つ？

素晴らしい！

千里の道も一歩から！すでにあなたは歩き始めているのですから。

何百個も覚えなくたって弾ける曲はいっぱいあります。

コードが3つあれば弾ける名曲だってありますからね。

とはいえいろいろ弾いていこうとすると、どうしても知らないコードが出てきますよね。

ダイアグラムって図で描かれたものがありますけど、いちいちそれ見てたら曲が止まっちゃいますからね。

少しずつ覚えて、パッと弾けるコードの数を増やしていきたい。

じゃあどんなコードを覚えていくといいか、そしていくつ覚えればいいか、それを今からご紹介します。

まずはとにかくこの表を見てみましょう。

はい、この16個（18個）を目標にコツコツ覚えてみてください。

16という数はけっして少なくはないですが、どうにかなる数ではないでしょうか。

いや、どうにかしてやりましょう！

覚える順番は、表の上の方にあるものから。

いちばん上にある「ダイアトニックコード」の括りにあるコードは、もう使用頻度めっちゃ高いです。

その下にあるのが「セカンダリードミナント」というやつです。

名前なんてどうでもいいです。

こいつらを覚えると弾ける曲の数がぐぐーーんと増えます。

そのまた下は「サブドミナントマイナー」。

たまにしか出てこないくせに押さえるのがダルいです。

でもこの押さえ方ができるようになると、その先がとっても明るくなります。

ここまでで16個！

いちばん下にある2つがマイナー7th♭5というやつ。ここまでがんばれれば最高。

ちなみに、この表にあるコードは曲のキーがCメジャーもしくはGメジャーを想定したものです。

それ以外のキーの曲もいっぱいあるのですが、そこは、あれです、カポ！

カポでどうにかしていきましょう。

キーをCメジャー、Gメジャーに絞ることで、覚えるコードの数もぐっと現実的になります。

もちろん上記の表には無いコードも出てくるでしょう。

そういうコードはひとまず置き換えたり省略していくことで対処しましょう。

響きとしては少し物足りないかもしれませんが、破綻してしまうことはありません。

メジャー7th（Maj7）はシンプルなメジャーコードに、マイナー７th（m7）はシンプルなマイナーコードに置き換えて弾いていきましょう。

分数コード（オンコード）は左側のコードだけを弾いていきましょう。

ちなみにこれより先は、コードの成り立ちや、なぜこうやって押さえるのか、といったことを知っていくことで、丸暗記ではなく考えて押さえ方を導き出せるようになっていくのがオススメです。

音楽を演奏するとき、楽譜を見ますよね。

え、見ますか？

当たり前？

今日は楽譜をはじめとする視覚情報について書いてみようと思います。

先に結論から言ってしまえば、「あまり視覚に頼らず耳を育てましょう」ということです。

お断りしておきますと、楽譜を見ることをやめましょうという極端な話ではありません。

あくまで頼りすぎないように、ということです。

そもそも音楽において大切なのは目を使うことより耳を使うことだ、というのはご理解いただけると思います。

例えば、舌で確かめずに見た目だけで料理する、なんてなんだか変ですもんね。

そして料理人の舌が肥えているように、音楽を奏でる人も敏感な耳を育てていくことが、いい演奏や楽しく演奏することにつながります。

耳を育てるとひとことに言っても、音感、リズム感、ハーモニー感、合奏全体を聴く力、個々のパートを聴く力、そして音からイメージを膨らます力などいろいろです。

それぞれの育て方は過去にもブログで触れていますし、レッスンはこれらのことにも重きをおいて進めています。

そしてある程度耳が育ってくると、楽譜の使い方にも変化が起きます。

楽譜がないと次の一音も分からない、だから楽譜にかじり付いて演奏するしかない、といった状態から、取っ掛かりとして楽譜を見る程度になってきます。

楽譜をまるで動作の指示書のように見ていらっしゃる方は、その演奏しようとしている部分の音のイメージが弱い傾向にあります。

イメージがないのに、一所懸命に身体をどう動かせばいいのか、楽譜とにらめっこ。

これはいささか効率がよくありません。

また料理に例えれば、どんな味になるか想像せずにレシピとにらめっこ、なんてことしませんよね。

音楽の場合、手本となる演奏を聴くことができるのであれば、それを聴かない手はないはずです。

リズムやハーモニーを覚えるくらいよく聴いてみましょう。

そう、口ずさめるくらいに。

よく言われることですが、口ずさめないようなものは演奏できません。

口ずさめるようになったら、実際にそれを口ずさみながらそこに動作を合わせていきましょう。

管楽器のような口を塞がれてしまう楽器は、ちょっと慣れが必要ですが頭の中で口ずさむのです。

口ずさめるかどうかが、音のイメージがあるかどうかの確認というわけです。

視覚→運動→音

ではなく

イメージ→運動→音

となっていくのが、ある意味理想だということです。

カラオケボックスやスナックで楽譜を見ながら歌う人を、私は見たことがありません。

それは、今から歌おうとしている曲のメロディをしっかりイメージできているからでしょう。

だから知らない曲は歌えない。

とてもシンプルです。

だから楽器でも、知らない曲は演奏しなくていいと私は思います。

今まで知らなかった曲でも、素敵な曲だな〜と思ったら何度となく聴きたくなりますよね。

それから演奏してみてもいいんじゃないでしょうか。

もしやむをえず、まったく知らないし興味もない曲を演奏することになったなら、楽譜を見てではなく、まずその曲をよく聴き込むことから始めましょう。

知ってる曲でも楽譜がなければ演奏できない、逆に楽譜さえあれば知らない曲でも演奏できる、と当たり前のように思われている気がしますが、はたして…。

あ、言わずもがなですが、非クラシック音楽においての話ですので悪しからず。

「継続は力なり」とはよく言いますが、音楽においてもこれは真理だと思います。

一方で目標を立てることの大切さもよく言われます。

漠然と練習するより、目標が明確な方がモチベーションも効率も上がると思いますので、これも真っ当なことだと思います。

小さな目標を立てて継続し、達成したらまた次の目標を立てる…そうしていくうちに大きな目標も達成できれば、それはそれはスマートなことでしょう。

でも実際は、なかなかそう簡単にはいきません。

ですから生徒さんとはよく話をして、なるべく無理のない目標を設定することを心がけています。

さらに、じつは私自身は、あまり目標を立てないというのもアリかなぁと思っています。

これは個人の性格によるところが大きいと思いますので、必ずしも誰しにも当てはまることではないでしょうが…。

目標を達成することを考えるより、いかにして継続できるようにするかを考えるわけです。

多くの場合、継続できないことにより目標が達成されないのではないでしょうか。

逆にとにかく継続してさえいれば、そのうち当初やろうとしていたことができるようになるはずです。

やはり「継続は力なり」は真理かと。

私が思うに、継続するためにはストレスがないことが重要です。

負荷をかけすぎず、サラッとコンパクトに。

それを高い頻度で定期的に行い、日常の中にルーティン化します。

できれば毎日行うのが理想です。

こうやって書くと仰々しいですが、ようは毎日少しだけ楽器に触る（歌を歌う、曲を作る）、ただそれだけです。

だから、楽器はケースにしまわない方がいい。

自分がいつもいる場所からすぐに手に取れるところに楽器を置いておきましょう。

「ながら」も有効です。

テレビを見ながら、食事をしながら、歯を磨きながら、お風呂に入りながら…なんでもいいです。

とにかく、「音楽をする」ことに腰が重くならないように、生活の中に溶け込ませていきます。

特別意識もせずに、気付いたら楽器を手に取っていた、となればもうシメたもんです。

そもそも、今まで日常の中に「音楽をする」ことが無かった人が、急に目標を立てて取り組むというのは、それ自体がハードルが高いのかもしれません。

まずは音楽をすることに少しずつ自分を慣れさせ、それから目標を立ててもけっして遅くはないのではないでしょうか。