イギリスのバンドが先導したハードロックですが、そのムーブメントはすぐさま各国へ飛び火します。

イギリスでは前回ご紹介したバンドにつづき、クイーン（Queen）やジューダス・プリースト（Judas Priest）など

ロックの母国アメリカからはエアロスミス（Aerosmith）、キッス（KISS）

オーストラリアからはAC/DC

カナダからはラッシュ（RUSH）

ドイツからはスコーピオンズ（Scorpions）

アイルランドからはシン・リジィ (Thin Lizzy) 

スウェーデンからはヨーロッパ（EUROPE）

フィンランドからはハノイ・ロックス（Hanoi Rocks）

日本からはラウドネス（LOUDNESS）

などなど。

ハードロックは音楽的特徴で言えば、ヘヴィーメタルやプログレッシヴロックに枝分かれしていきますが、一方で、上記のバンドのように世界中の各国・各地から発信されるようになり、その場所に根ざした特徴も持つようになっていきます。

その結果、国や地域の名前を冠したロックジャンルの括り方も出てきます。

アメリカンロック、UKロック、ジャーマンメタル、北欧メタル、LAメタルなどなど。

この括りは国や地域の名前を冠してしまえばなんとでも言えてしまうことなので、必ずしも音楽的特徴を見いだすことができるかというと、その限りではないかもしれません。

でも、音楽が生み出されるとき、その背景というのは多分に音楽そのものにも影響があるだろうことは容易に想像できます。

例えばフレンチポップと聞くと、ある種の音像を思い浮かべたりしますから。

歌をどの言語で歌っているかも重要ですね。

さて、そんな流れでちょっと触れておきたいのが、

サンタナ

です。

メキシコ出身のギタリスト、カルロス・サンタナを中心とした、ラテンロックバンド。（バンドとしてはアメリカ発）

ウッドストックにも出演しているので、ハードロック黎明期から活動していることになります。

その音楽性はラテン要素やブルージーさなど土着的でありながら、フュージョンなど当時の先端と言える洗練された要素を合わせ持っていました。

こうしてロックは世界各地の音楽やカルチャーと混ざり合い、よりいっそう多様化していきます。

涼しくなってきた頃から、ようやく、またお問い合わせやお申込みをいただけるようになってきました。

まだまだ予断を許さない状況ではありますが、こんな時期だからこそ、今までやりたかったことにじっくり取り組んでみよう、という思いの方もいらっしゃるようです。

前回のブログでも書いたように、上達しようとした場合にそれが出来るか否かは、けっきょくは本人の取り組み次第です。

そういう意味では1人での時間が増えている方にとっては、よいタイミングなのかもしれません。

また、スクールでは引き続き感染拡大防止に最善を尽くしながら、みなさまと音楽を楽しんでいけるよう努めてまいります。

レギュラークラスの他、初心者向けのエントリークラス、オンラインクラスといずれも新規入学生をお待ちしております。

コースはヴォーカル、弾き語り、ピアノ、ギター、ベース、ウクレレ、サックス、フルートなどご用意しています。

いつも言っていることですが、音楽を始めるのに、年齢や経験は関係ありません。

「音楽を楽しむための力」を身につけることのできるレッスン、ぜひ受けてみてください！

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音楽を楽しみ上達していくのに大切なことはいくつも考えられるし、人によっても違うでしょう。

ただ、多くの方にとって

「自分の周りの音楽をする人の存在」

というのは大きいのではないでしょうか。

少なくとも私にとっては、先生・師匠はもちろんのこと、同級生、先輩、後輩に限らず学生の頃の音楽仲間、そして大人になってから音楽を介してお付き合いさせていただいている方々からもらったものはとても大きいと感じています。

互いに考え方や感情があるので、ときに煩わしいこともありますが、自分1人では今のようにはなっていないでしょう。まだまだですが…。

知らないミュージシャンやバンドを教えてもらったり、演奏のコツを聞いたり、一緒にセッションしたり、ライブを聴きに行ったり…。

たくさんの刺激をもらい、アドバイスをもらい、励まされ、指摘され、共有させてもらいました。

私はこのスクールを、そういった音楽を楽しみ打ち込んでいる人同士を繋げる、ハブのような場所にしていきたいと思っていました。

先日も、小規模ですが生徒さんたち数人とセッションをしました。

徐々にコミュニティースペースとしても機能してきた感があり、嬉しいです。

ところで一方で、1人で探して、考えて、練習して、発見して、作っていくことも素晴らしいし大事なことです。

とくに上達したいと思っているのなら、1人で追及する時間は不可欠でしょう。

どんな環境であれ、それをやるかどうかはけっきょく自分しだいということだと思います。

今回はひさしぶりにサックスのお話を。

サックスのカッコいい演奏をイメージしたとき、ブルージーな雰囲気が漂った演奏を思い浮かべる方も少なくないんじゃないでしょうか。

ブルージーさを感じる要素はたくさんあります。

音使い、リズム、音程、音色、強弱、音の長さ、音の繋ぎ方…。

さて、誤解を恐れずに言えば、ブルージーな演奏というのは往々にして、音使いを除いたこれら多くの要素が、

若干ルーズ

だったりします。

逆に機械のように正確・端正だとブルージーさはなかなか出ないのです。

「遊び」と言ってもいいかもしれません。「ハンドルの遊び」の「遊び」。

サックスは、とくに「音程の遊び幅が大きい」という特徴があります。

これはピアノなど他の楽器にはなかなか無い特徴で、サックス以上の音程の遊び幅となると、トロンボーンやヴァイオリン類、そして歌（ヴォーカル）など限られてきます。

そして、こういった音程の遊び幅が大きい楽器（歌）というのは、裏を返せば「音程をとるのが難しい」とも言えます。

そのため、楽器（歌）を始めてからの当面は正確な音程に合わせることが命題となってきます。

確かに音程を正確に合わせようとする意識や、そのためのコントロール力をつけることは重要ですが、それだけを突き詰めていくといつしか、「機械のように正確なことこそすべて」という考えにいたる可能性がなきにしもあらずです。

あくまで「好みの問題」なので、正確な演奏をまったく否定はしませんが、

せっかくある遊び幅を使って表現の幅を広げていくのも面白いのではないでしょうか。

例えば、ジャズやブルースはもちろんのこと、ファンクやロックでも「ブルーノート」と呼ばれる音をよく使います。

この音は、ざっくりした説明としては「メジャースケールの3rd、5th、7thをそれぞれ♭3rd、♭5th、♭7thにしたもの」となりますが、厳密に言えば半音下げるのではなく「ほんのちょっと下げる」となります。

半音よりもちょっと。

ですから、西洋式の12音平均律（ピアノのような均等な半音からなる調律）には無い音程ということです。

しかし！サックスは、ベンドという音程を上下に変化させるテクニックを使って絶妙な音程にコントロールできるんですね。

わ〜〜い。

ブルーノートの音程を数値化して確認するのも悪くないと思いますが、けっきょくのところ「ブルージーな雰囲気」がイメージできていることが重要です。

そのためにはやはり、そういった演奏をたくさん聴くことが大切でしょう。

また、アンブシュアについては、正確な音程に合わせ、それを維持しようと練習している過程で、ガチガチに固めてしまう方も少なくないと思います。

ですが、これを後からほぐして柔軟にするのはちょっと骨が折れることになります。

できたら、音程の遊び幅があることを悪いこととは捉えず、その遊び幅を狭めることなく音程をコントロール・維持できるようにしていけるといいですね。

音楽の力をつけようとしたとき、「聴く」ということの大切さを以前にも増して感じるようになってきた今日この頃ですが…

みなさまこんにちは。

今日はどんな音楽に、どんな触れ方をしましたか？

もっともシンプルでいて、もっともと言っていいほど重要な「聴く」という行為。

上達したいのであれば、練習ももちろん必要ですが、たくさん音楽を聴いていきましょう。

漠然と何時間も練習するより、集中して1曲を聴くことの方が得られるものが大きい場合もあります。

練習時間 ≦ 聴く時間

意外とこれが逆転している方も多いかもしれません。

もちろんそれが悪いということもなく、人によっては聴くことよりも練習に時間を割くことが必要なタイミングもあるでしょう。

しかし、聴く時間が「0」のままでは大きな上達は見込めないと私は思います。

音楽は音の情報による表現ですので、楽譜や文章などをいくら駆使してもその代わりは務まりません。

とくに初歩的な演奏（発音したり、音の高さを変えたり、任意のリズムで演奏したり）ができるようになった方が、「こんな風に演奏したい」という目標を持っているのなら、練習する量（時間）より、まずその手本となる演奏をよく聴き込むことが重要です。

当然、聴くと言っても、ただ音楽を流してボーッとしていても、この場合はあまり意味がありません。

いろんな角度から、自分が演奏することを踏まえて聴きます。

さらに、自分のパート以外の音と自分のパートの音の関係を意識しながら聴く。

例えば、ボーカルやサックスなどのメロディー楽器の方は、その自分が歌うもしくは演奏するメロディーばかりを聴いてしまいがちですが、他の楽器にも耳を傾けてみましょう。

ドラムやベースがどんなリズムを打ち出しているか、コード進行にはどんな雰囲気があるのか、どのタイミングでコードが変わっていくか…。

反対に、ドラムや打楽器の方はメロディーやコード進行を、コード担当の方はメロディーやリズムを、という具合にそれぞれの役割とは別の部分も意識して聴いて、そしてまた全体を聴く。

拍子や小節を意識して聴いてみるのもいいですね。

他にも、ダイナミクス（強弱）や、滑らかさ、歯切れの良さ、音色、音響……じつにいろいろな要素があります。

言うまでもありませんが、練習も大切です。

音楽を聴いていれば、練習することなく上達すると言っているわけではありません。

ただ、この場合、ボーッと聴いていても意味がないのと同様で、練習も時間よりも密度や質が重要です。