TRIAL LESSON レッスンを体験しませんか
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ドレミ?ソラシ?

 

すでに数年前にネット上(Twitter?)で話題になったようですが、

この写真を見て何か気づくことはありますか?

 

 

この写真、喫茶店の看板を写しているわけですが、

お店の名前が「ドレミ」

で、看板に書かれている音符を見ると……

 

「ソラシじゃん!」

 

と言うことで、間違っている、おかしい、との指摘があったわけです。

 

 

とそこに、もうちょっと音楽リテラシーのある方が

 

「(調号の)シャープが1つ付いているからドレミで間違ってないよ」

 

と返したと。

 

 

で、

「え…ソラシなのにドレミ?どゆこと?」「けっきょく合ってるの?間違ってるの?」

といった物議を醸したらしいのです。

 

 

これはなかなかに興味深い。

 

 

当スクールでは、音名と階名の使い分けを徹底しています。

音名、つまり音の高さごとの固有の名前にアルフベットを使い、

ドレミは階名として、つまりキー(調)の主音を「ド」とする相対的な名前の付け方として使っています。

 

ですから、

「(調号の)シャープが1つ付いているからドレミで間違ってないよ」

という返しに賛同です。

 

調号のシャープが1つ付いているということはGメジャーキー(ト長調)です。(Eマイナーキーということも考えられますが、今回はそこには言及しないでおきましょう。)

最初の音符は音名でGですので、Gメジャーキーの主音であり階名で「ド」となります。

続く音符は相対的に、Aが階名で「レ」に、Bが階名で「ミ」となります。

 

 

しかしながらこの写真が話題となったのは、

「間違っている」「おかしい」と思う人が大勢いたからなわけで。

 

日本では、音名と階名の違いをしっかり教えてもらう機会がほとんど無いことに加え、音名にも「ドレミ」を使うことが多い、というのが現状です。

 

なぜこんなことになってしまったのか、と悲観的な思いはありますが、それを言っても始まらないので、少なくとも自分のスクールでは音名と階名の使い分けを徹底していこうと思っています。

 

なぜか。

 

その方が音楽的に歌を歌ったり楽器を演奏したりできると考えているからです。

 

 

音の高さに名前を付けることは、記憶(記録)する上でもコミュニケーションを図る上でも必要でしょう。

しかしその名前だけでは、多くの人は、音の高さがイメージできません

ここで言う多くの人とは「絶対音感を持たない人」です。

その人たちにとって、その名前は、ピアノのこの鍵盤の音のこと、ギターの何弦の何フレットの音のこと、サックスのこのキーを押さえた音のことといった楽器上のポジションを差すだけのものになってしまいます。

これが音名ですね。

 

 

歌を歌うときに、この音名を意識しながら歌っている人はどのくらいいるでしょうか。

おそらくほとんどの方は意識していないはずです

歌を歌うのに、音名を把握することはさほど重要ではありません。

しかし音の高さの関係性を把握することは必須です。

次の音はこのくらい高くなる、その次はこのくらい低くなる、と。

もしくは伴奏に対して歌い出しの音の高さはこのくらいだ、と。

このことは歌を歌うにあたって全員が行なっています。意識的にかどうかは別にして、全員が。

先に述べたように、この音の関係性に対して名前をつけたものが

階名です。

 

 

では、楽器を演奏しようとするとどうでしょう。

すると一転して、多くの方は音名は意識するけど、階名は意識しない

つまり音の高さをイメージして鳴らす、ということをしなくなってしまいます。

私は、これがあまり音楽的ではないように思っているのです。

 

 

楽譜がなくても、歌を歌うように楽器が演奏できたら楽しいと思いませんか?

これは練習すれば誰でもある程度はできるようになりますよ。

本当ですよ!

 

 

 

で、写真の看板がなぜこうなったかについては、

まずお店の名前は「ドレミ」に決まっていて、

看板を作るにあたって「五線に音符の絵を入れよう」となるも、

「Cメジャーキー(ハ長調)では音符の位置がビミョーだな…」となり、

音楽を知る人(オーナーか看板をデザインした人か他の誰かか)が

「Gメジャーキー(ト長調)くらいがちょうど良いんじゃない?階名でドレミなら問題ないでしょ」

というのが私の予想です。

 

音の長さをコントロールしよう②

音価のつづきです。

 

前回、音価とは一次的には「音符の長さ」だとお話しましたが、実際のところポピュラーミュージックでは楽譜に書かれている音符は、発音のタイミングを表していることが多く、音価については歌い手や演奏者に委ねられていたりします

 

クラシック音楽の楽譜には、こと細かに演奏記号が記されています。基本的にはこれを無視することは良しとされません。

一方、ポピュラーミュージックの楽譜では、そういった演奏上の指示というものは最小限にとどめられ、むしろほとんど記載が無い場合の方が多いでしょう。

でも、だからといって何も考えずにただ譜面をなぞるだけで良いわけではありません。このフレーズだったらこうしよう、あのリズムだったらああしよう、と歌い手・演奏者が工夫していかなければなりません。

逆に言えば自由度が高く、記譜上は4分音符だとしても、音価よりもたっぷり伸ばすことも、限りなく短く切っていくこともできるわけです。

 

この「楽譜には書かれていない(書ききれない)音価のコントロール」が、楽譜上同じフレーズでも歌い手や演奏者によってまるで印象が変わってくることに繋がっています。

 

例えばベーシストが音価をコントロールすることは、ベースという楽器の音域その他の要因により、楽曲の印象を大きく方向付けることに直結します。

隙間なく次の音まで音を伸ばしていけばどっしりした安定感が、また、短く切っていけばハキハキした印象に、音価の長短を組み合わせることで、有機的で踊り出したくなるような印象にもなります。

いわゆるノリグルーヴといったものをコントロールできるわけです。

 

もちろんベーシストのみならずすべてのパートの歌い手・演奏者が音価を意識すべきで、バンドアンサンブルにおいてはこの音価のイメージをメンバー間でビシッと合わせることによりグッと一体感が増すと思います。

 

このように音価は、単に記譜上の音符の長さだけでなく、「どういった演奏にしよう」という歌い手・演奏者そしてバンドの意識によって決定されるものであり、歌唱・演奏を良いものにするための大きな要素でもあるのです。

 

わざわざ言うまでもないと思いますが、ここで言う「記譜上の音符」とは、「楽譜があったとすれば」と言う想定でのことです。

ポピュラーミュージックではすべてのパートの楽譜(パート譜)など無いことの方が多いでしょう。オリジナル曲を作った場合も、コード譜程度しか書かないことがままあると思います。

そういう場合でも当然、音価には意識を向けていきましょう。

音の長さをコントロールしよう①

今回は音の長さについて。

 

 

初心者のうちは音を鳴らすこと、つまり発音のタイミングに多くの意識が向いています。

もちろん、音を鳴らさないことには長さも何もないので、順序としてはそれが当たり前です。

でも、ある程度思ったタイミングで発音できるようになったら、なるべく早い段階から音の長さにも意識を向けていくのが良いと思います。

 

拙い歌や演奏を聴こえの良いレベルに押し上げるのに、音の長さをコントロールするということはとても大きな要素になってきます。

歌や演奏が上手な人というのは、必ず意識して音の長さをコントロールしています。

音の長さは、本来は強弱や音程のニュアンスといった諸々の要素と分けて考えるべきではありませんが、今回はそこ(音の長さ)だけを切り取ってお話してみます。

 

 

音の長さのことを「音価」といいます。

 

音価は一次的には「音符の長さ」と言うことができます。

4分音符や8分音符の1つずつの長さですね。

 

これはすべて「テンポに紐付いた長さ」ということになります。

例えばテンポが60BPM=60)のとき、4分音符1つの長さはどれだけになるか、ということです。(4分音符を1拍とした場合、その1つの長さは1秒ということになりますが、そういう具体的な秒数はあまり考える必要はないし、むしろ考えない方が良いでしょう。)

要は、音価はテンポが認識できていてこそコントロールできるということです。

 

同じ長さの音符がいくつも連続している場合、その間の音価のコントロールはさほど難しくないと思います。一定の間隔ですからね。

問題はいろんな種類の音符が入り組んできたときですね。雑にならずに丁寧にテンポをキープしながら確認していきましょう。

特に注意したいのは、むしろ長い音符です。初心者の方の多くが長い音符をいい加減な長さにしてしまいがちです。フレーズの最後の音の長さなど、何拍分あるのかを把握しておきましょう。

 

また、音を鳴らすことばかりに意識が向いていると、休符をおろそかにしてしまいがちだったりもします。

よく言う「休符を歌う(休符を演奏する)」というのは、その手前の音の音価をしっかりコントロールすることでもあります。

休符を休符の音価分しっかりお休みにすることでテンポ感も増し、歌や演奏が息づいてくると思います。

 

つづきます。

 

【ギター】その他のエレキギター(フェンダー・ギブソン編)

ソリッドのエレキギターといえば、やはりストラト、テレキャス、レスポールの3タイプが大スタンダードではありますが、それ以外にも魅力的なモデルがたくさんあります。

挙げていくときりがないのですが、思いつくままにピックアップしてみます。

 

 

まずはフェンダー社から。

 

ムスタング

 

ネックは細めのショートスケールで、手の小さい方にもオススメなのがムスタング。フロント・リアにシングルコイルのピックアップというところはシンプルですが、フェイズ(位相)スイッチが付いています。これを上手く使うと面白いサウンドが得られるかも?ムスタングといえば、日本ではCharさんでしょう!ニルヴァーナのカート・コバーンでも有名ですね。

 

 

ジャズマスター

 

なぜジャズマスターという名なのか。今となっては「?」ですが。当時はジャズを演るために作られたそうです。確かにフェンダー系の中では豊かな音なので、ジャズに合うかなー?いやしかし、スイッチ類の複雑さよ。所有していないだけに、いまだに把握しておりません。

 

 

ジャガー

 

ジャズマスターに似ていますが、こちらはショートスケール。音はジャズマスターよりガッツがある感じがするかな。いやしかし、スイッチ類の複雑さよ。所有していないだけに、いまだに把握しておりません。低音をカットするローカットスイッチなるものも付いています。

 

 

フェンダーには「スクワイヤー」というセカンドブランドがあり、主なモデルはスクワイヤーでも作られています。フェンダーに比べ価格が安いので、ブランドにこだわらずフェンダー系のギターを求めるのならアリだと思います。

 

 

 

次にギブソン社。

 

SG

 

SGはソリッドギターの略。無駄を削ぎ落としたまさにソリッドな作りとサウンド。レスポールに比べ重量は軽いかな。個人的にギブソンで一番好きなのは、このSGです。SGといえば、やっぱりアンガス・ヤング!トニー・アイオミ!スライドギターの名手、デレク・トラックスの愛機もSGです。SGについてはまた書きたいですね。AC/DCのコピーバンドやりたいなぁ…。

 

 

フライングV

 

これぞ変形ギターの王様。弾きにくい?そんなことは問題じゃありません!見てくれ、大事でしょ?誰がなんと言おうと、もっともカッコいいギターはこれです。マイケル・シェンカー、ポール・スタンレー、アルバート・キング、ジミ・ヘンドリックスなど。ハードロック系のギタリストからブルースマンまでを虜にしています。

 

 

ファイヤーバード

 

独特なデザイン、圧倒的な個性。これを持っていたら一目置いちゃうかも。ジョニー・ウィンターやロン・ウッドをはじめ、ブルース、ブルースロック系のギタリストがよく使っていました。

 

 

エクスプローラー

 

HR/HM系のギタリストが使っているイメージがありますが、今さらながらにカッコいいギターですね。とくにヘッドがカッコいい。

 

 

ギブソンには「エピフォン」というセカンドブランドがあり、主なモデルはエピフォンでも作られています。ギブソンに比べ価格が安いので、ブランドにこだわらずギブソン系のギターを求めるのならアリだと思います。

ただ、エピフォンは、フェンダーにおけるスクワイヤーの位置づけとは若干異なり、もともとはギブソンとは別のメーカーでした。そんなわけでエピフォンにしかないモデルもあり、それを好む人も少なくありません。かのビートルズのメンバーは、こぞってエピフォンのカジノというモデルを使っていました。

 

 

フェンダーにもギブソンにも、もっとマニアックなモデルはありますが、主なところではこんな感じでしょうか。

 

フェンダー、ギブソン以外のメーカーはまた次回

良い演奏のための技術的ポイント⑤

前回からのつづきです。

 

良い演奏をするための技術的要素を4つ挙げ、優先順位をつけてみました。

 

1.  リズムが良い

2.  表情が豊か

3.  音程が良い

4.  間違えない

 

残すは「音程が良い」ですね。

 

 

音程が良い

 

まず、音程は悪いより良い方がいいときがほとんどでしょう。

私も「音程は悪いより良い方がいいに決まってる」と思っています。

それは前提としてありつつ、今回は、「あまりに音程に神経質になりすぎると、音楽が面白くなくなるんじゃないか」という私の考えを綴ってみます。

 

 

本来音の高さは無段階(声やトロンボーン、ヴァイオリンなどの擦弦楽器がそうであるように)です。

スロープ状に高くなったり低くなったり。

これを段階的にしたものがいわゆる「音階」というやつですが、西洋の音楽では1オクターブ内に12の段階を設けたわけです。

この12段というのが適切であるかどうか、という素朴な疑問もありますが、今回はそこではなく、この12段からほんの少しでも外れた場合、その音はただちに「音程が悪い」ということになると思っている方もいらっしゃるかも、というところ。

 

 

例えばギターをA4=440Hzでチューニングし、弾き語りをする。

その際に、歌メロディの一部分で「C」の音が少し低くなったとします。

この文章を読んで、「それは音を外しちゃったんだね」「音痴になっちゃんたんだ」と思った人には、ぜひこの後まで読んでいただきたい。

 

A4=440Hzであれば、ピアノの真ん中のCC4)は261.6255653006Hzだそうで。

これがちょっと低く、例えばC4=261Hzになったとしたら、これはもうダメなんでしょうか?

ちなみに半音下のB3246.94165062806Hzだそうです。

 

どうですか?

 

ダメだと思います?

 

 

私はですね。

まっっっったく問題ないと思います。

 

 

てか、こんなこと気にして音楽やるべきじゃないと思っています。

こんなんでやれ音痴だなんだと言われていたら、誰も歌なんか歌えませんよ。

アコースティックの楽器もおよそ全滅です。

機械じゃないんだから。

 

こんなところ(音程)一点のみに機械のような正確さをヒステリックに求め、それによって音楽の良し悪しを判断するなんて

私に言わせれば、バカげている…というか勿体なさすぎです。

 

 

そもそも先ほどの例においての、少し低くなった「C」ってワザとかもしれませんよ?

ピアノ、もうこのさい電子ピアノとしましょうか。絶対音程が狂わないやつ。それから鳴る音の高さだけが正義という人には信じられないかもしれませんが、世の中にはワザと音を高くしたり低くしたりして歌ったり演奏したりする人がいるのですよ。

 

ほら、ヴィブラートとか、普通に聴けるし使いますよね?

あと、ブルーノートとかありますからね。いろんな音程の訛りやコントロールのし方があります。

純正律ってのもありますね。

本当にいろいろあります。

 

ピアノ(平均律)の音程に対してどれだけ正確か、という考え方自体は否定しませんが、「いろいろある考え方のうちの1つだ」というくらいの認識がよろしいかと。

 

 

もちろん、歌や楽器を練習していく上で、狙った高さに音を当てられるようにするのは大切なことですし、音程(2音間の関係)を正確にイメージしていけるようにするのも大切です。

そのことを軽んじているわけではないですよ。

 

 

そもそも今回挙げた4つの要素(間違えないこと、音程が良いこと、リズムが良いこと、表情が豊かなこと)は、どれも大切な要素であることには違いないのです。

ただ、大切だと思っていてもつい後回しにしてしまったりすること、どうやって練習して良いかわからないこと、場合によっては気づかなかったりすることもあるかもしれない。と思ったわけです。

 

 

ということで「良い演奏のための技術的ポイント」をお話してみましたが、いかがだったでしょうか。

ちなみに私は演奏するとき、ほとんどリズムと表情(ニュアンス)のことばっかり考えています。